Compositeur de Musique de Film : le blog de Tanguy Follio

Conseils pour changer le tempo d'une musique


Quelques exemples de changements de tempo dans la musique de film

Par Tanguy, dimanche 21 septembre 2008 à 15:43 - Orchestration, écriture - Tags


J'ai noté quelques exemples frappants où la musique s'accélère ou ralentit. Le changement du tempo dans la musique de film permet, comme pour les crescendos, de renforcer le côté émotionnel. Je pense notamment à certaines scènes d'action qui nécessitent un développement, amenant peu à peu le spectateur à un moment crucial.


Par exemple, dans l'extrait ci-dessus, ALien 4 Resurrection (John Frizzell), l'accélération progressive de la musique correspond à la prise en chasse des humains par les aliens menaçants. Plus les aliens se rapprochent, plus la menace est grande, plus les humains paniquent et plus la musique s'accélère !


Dans cet extrait (embuscade) que j'ai composé pour un documentaire animalier, la musique s'accélère légèrement pour appuyer le côté "poursuite" (un tigre de Sibérie prend en chasse un autre animal), puis elle ralentit quelques secondes avant le moment fatidique pour décrire une sorte de fatalité, une tragédie : les derniers mètres qui précèdent l'inévitable capture.

Voici quelques extraits de bandes originales, dans le style purement hollywoodien, qui présentent des changements de tempo assez caractéristiques. Ces changements sont amenés de diverses manières :

  • Ralentissement progressif :

    Volte-Face (John Powell)


  • Accélération par paliers (avec changement de tonalité) :

    Titanic puis Braveheart (James Horner) :



  • Placement d'un silence entre 2 fragments de tempos différents :

    Matrix Reloaded (Don Davis) :


  • Pose de son entre 2 fragments de tempos différents :

    Planet Of The Apes (Danny Elfman) :


  • Changement de tempo lié à un changement de mesure (ex : ternaire vers binaire) :

    Hook (John Williams) :


  • Etc... etc...

On s'en doute, la manière dont le compositeur va appliquer son changement de tempo dépendra essentiellement de ce qui se passe à l'écran. Il devra notamment tenir compte des contraintes de synchronisation.

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Pourquoi ne pas lire aussi :


SX4, la toute dernière version du séquenceur professionnel Cubase

Par Tanguy - Tags


Je viens de découvrir l'existence de Cubase SX4 (je travaille sur SX3). Il est encore plus beau !

Je ne sais pas encore s'il y a de grands changements, mais j'ai découvert Retif Web, un site qui explique les nouvelles fonctionnalités de Cubase SX4

En outre le site propose des conseils à l'utilisation de l'outil "partitions" de Cubase. (ça c'est pour Damien A ;-)

Bientôt, j'essaierai moi aussi de faire des tutoriels vidéos, pas seulement sur la technique informatique musicale, mais aussi sur des petits trucs d'orchestration, d'arrangement... en restant toujours dans le domaine de la composition de musique de film.

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Quelques exemples de répétition dans la musique de film.

Par Tanguy - Tags


Je crois que c'est mon paternel qui m'a dit un jour :"Fiston, dans une musique les gens retiennent surtout l'intro, la fin et les répétitions"

La répétition d'une phrase mélodique ou d'un rythme se fait de manière naturelle et spontanée dans le domaine de la chanson, mais je pense qu'elle est aussi largement employée dans la musique de film, de manière plus subtile (plus cachée, je dirais).

Il arrive que les compositeurs dupliquent un petit passage de sorte qu'on puisse l'entendre 2 fois de suite. ça ne fait pas de mal à la structure du morceau et ça permet à l'auditeur de s'imprégner du thème. En parcourant diverses BO, je m'aperçois que peu de passages sont réellement "clonés". A chaque fois, la répétition présente une petite variation, ce qui apporte un peu plus de richesse à l'ensemble. Voici quelques astuces à appliquer sur la partie répétée, afin d'éviter la redondance :

  1. Ajouter des notes accidentelles :
    The Grinch (James Horner)


  2. Modifier légèrement la mélodie :
    L'été de Kikujiro (Joe Hisaishi)


  3. Reprendre la mélodie par un autre instrument :
    Dinosaur (James Newton Howard)


  4. Enrichir l'orchestration (doublures) :
    Interview With The Vampire (Elliot Goldenthal)


  5. Varier la hauteur (changement d'octave) :
    Thème de Solenn (Tanguy Follio)


  6. Passer de mode majeur à mode mineur :
    Signs (James Newton Howard)


  7. Changer de nuance :
    La rue des cascades (Yann Tiersen)


  8. Varier l'harmonie (ce sont les accords qui changent) :
    The Nightmare Before Christmas (Danny Elfman)


  9. Varier le rythme :
    Victor Hugo (Tanguy Follio)


  10. Changer la tonalité :
    The Polar Express (Alan Silvestri)


    11. Alan Silvestri, champion du monde de la répétition par changement de tonalité
    par intervalle de 3 demis-tons vers le bas ou vers le haut ;-)

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Six Secrets !

Par Tanguy - Tags


Bien, je glisse ce petit billet hors-sujet pour faire plaisir à ma sœur, qui souhaite que je dévoile 6 de mes secrets les plus enfouis (Je suis sûr que c'est pour cafter aux parents), alors allons-y vite fait bien fait :

  1. J'ai eu une période d'environ 1 an où je prenais uniquement des douches froides le matin (en 98 ou 99). Je pensais que c'était bon pour la circulation. Je n'ai jamais été autant malade que cette année là (ORL).

  2. J'écoute du Trevor Rabin en cachette.

  3. A 10 ans, j'ai crevé un pneu de la Renault 18 en jouant avec un outil (une perceuse qui faisait office de pistolet laser). J'ai aidé mon père à changer la roue, sans lui avouer que c'était moi le coupable.

  4. A 11 ans, sur la RN 176, j'ai bifurqué à gauche en vélo, alors qu'un poids lourd s'apprêtait à me dépasser. Je tiens à remercier le conducteur pour ses réflexes qui ont permis d'éviter le pire (et pour son savon monumental que je ne suis pas près d'oublier chaque fois que je fais du vélo).

  5. Je dois "réfléchir" pour lire l'heure avec des aiguilles. Je suis né avec une montre à quartz.

  6. Mes amours secrets ? non mais oh ! et si ma femme tombait sur ce blog ? bon allez, j'ai mis une photo ici

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Faire monter la tension : long crescendo orchestral suivi d'un relâchement brutal

Par Tanguy - Tags


Il n'est pas rare dans les films d'action ou d'horreur que le réalisateur laisse la tension s'installer progressivement, sur plusieurs minutes. Le spectateur prend conscience que quelque chose va arriver (mais il ne sait pas quand exactement). Puis arrive brusquement le moment crucial, un fait marquant, une scène forte sur le plan émotionnel etc...).

Dans ces scènes précises, la musique suit généralement l'intrigue. Pas toujours, certes, car il arrive qu'elle soit en décalage avec les images, mais souvent, la bande musicale qui accompagne ce long instant de tension prend l'allure d'un crescendo.

  • Crescendo dans l'intensité sonore (p -> ff)
  • Crescendo dans l'harmonie (augmentation progressive du nombre de voix)
  • Crescendo dans l'orchestration (augmentation progressive des instruments intervenants)
  • Crescendo dans le tempo (la musique peut s'accélérer)

Suivi parfois d'un relâchement brutal :
  • Retour rapide à un faible volume sonore
  • Retour rapide à une harmonie simple
  • Retour rapide à une orchestration plus sobre
  • Tempo ralenti
Un type de relâchement qui me plaît particulièrement, c'est quand la coupure n'est pas nette et que l'on a l'impression que la masse orchestrale dégringole brutalement, ce qui donne un effet de "déchirement" :

Ci-dessous, 2 exemples sonores de crescendo avec effet de déchirement. Le premier est un court crescendo en pose de son, avec une petit déchirement aux percus. Le second (plus palpitant) est un long crescendo musical interrompu par un déchirement cuivré. Il correspond à la scène d'ouverture de X-MEN devant le camp de concentration (la douleur de Magneto enfant, que l'on arrache aux bras de ses parents est ici très bien illustrée).

Sixième Sens (James Newton Howard)


X-MEN (Michaël K-MEN)


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L'enregistrement d'une musique de film, décrit tel qu'il est perçu par le réalisateur Jean-Jacques Annaud

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J'ai découvert des articles sympas sur le blog de Jean-Jacques Annaud (avec extraits audio et vidéos à la clé). Il y a tout un passage intéressant à propos de l'enregistrement de la musique de son long métrage "Sa Majesté Minor" tel qu'il est vécu par le réalisateur lui-même.

Le compositeur du film est Javier Navarette (Le Labyrinthe de Pan).

Au cours d'une séance d'enregistrement, Jean-Jacques Annaud livre naturellement ses impressions sur la musique, l'orchestre, les solistes etc... il confie également son ressenti à l'égard du compositeur qu'il qualifie de "créateur" ou de "patron" pendant l'enregistrement.

Lire l'article : Pourquoi j'assiste à toutes les séances d'enregistrement


A lire également, cet autre article particulièrement instructif où Jean-Jacques Annaud donne son point de vue sur les maquettes des compositeurs en général. Je recopie ici la dernière phrase que je trouve très juste :

" Un conseil : exiger une maquette, toujours, même pourrie. Elle indique au moins la mélodie, ou son absence, le tempo, il y en a forcément un, une direction d'intention et de style. Il faut se dire une chose : ce sera sûrement mieux avec l'orchestre. Et si c'est pas mieux, on garde la maquette, comme je l'ai fait plus d'une fois ! "

Lire l'article Le temps des maquettes

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Exemple de plans sonores et phénomène de résonnance dans une orchestration. Extait d'une bande originale de Jerry Goldsmith

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Dans ce petit extrait, on distingue très nettement 3 plans d'orchestration :

Hollow Man (Jerry Goldsmith) :


Nous avons d'une part une mélodie stridente jouée par des instruments aigus (violons, flûtes) et d'autre part des ponctuations agressives en saccades jouées par des cuivres et des percussions (trombones, grosse caisse, timbales).

Le volume sonore de ces 2 parties sont à peu près identiques. On ne peut pas vraiment dire lequel est en avant et lequel est en arrière plan. Je crois que c'est notre humeur du moment qui fait qu'on va plutôt remarquer tel ou tel plan sonore en premier. Et puis, ça peut changer en cours d'écoute.

Par contre :
Entre ces 2 plans extrêmes (du point de vue des couleurs orchestrales), s'est glissé un troisième plan sonore, plus discret mais au combien utile : un petit leitmotiv récurrent joué par des cordes dans les médiums-aigus, à la manière d'un écho. Ce tapis rythmique a son importance car, d'une part il va apporter du "mouvement", et d'autre part il va lier l'ensemble pour le rendre moins sec (un peu comme le lait qu'on ajoute à la farine et les œufs pour faire des crêpes). Cet aspect technique très souvent utilisé en orchestration s'appelle la résonance...


Hollow Man Goldsmith Jerry Goldsmith
Hollow Man Jerry Goldsmith
 (1929-2004)

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Omnisphere de Spectrasonics : du très gros son pour créer vos ambiances.

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OMNISPHERE succède au célèbre synthétiseur virtuel ATMOSPHERE.

Progrès technologiques obligent, il est encore plus consistant (40 Go de sons) et surtout beaucoup plus riche en terme de travail sur la synthèse (modulations, filtres, architectures, synthèse granulaire, les enveloppes aléatoires etc) : un très bon VST pour les artistes qui aiment "créer" non seulement leur musique, mais aussi leurs propres sonorités.

Très puissant, donc, concernant la création d'environnement sonore, cet outil pourrait bien être utile pour composer une large palette d'ambiances originales et très personnelles. Entre le moteur de synthèse de STEAM (synthèse pure à partir de modulations de LFOs) et la synthèse à partir de sources acoustiques samplées, le numérique offre à nos petites oreilles le grain et la chaleur qui faisait défaut il y a quelques années...


Omnisphere synthé virtuel de Spectrasonics
Omnisphere Power Synth



En bonus, pour les amateurs de pads rythmiques, les arpégiateurs d'OMNISPHERE se calent sur le tempo et surtout sur le groove des boucles qui sortent de votre Stylus RMX !

J'ai visionné sur "Univers-Son TV" une vidéo sympa tirée d'une série de clips promotionnels de ce produit. Cet épisode (le 5) parle de la manière dont sont construits certains patchs (par des plasticiens du son passionnés) à partir du moteur de synthèse STEAM ou encore à partir de sources sonores psychoacoustiques retravaillées. Pour voir la vidéo, cliquer ici

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Dansons la capucine : paroles et musique

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Accédez à la liste complète des comptines et chansons


Dansons la capucine


(Intro musicale)

Dansons la capucine
Y'a pas de pain chez nous
Y'en a chez la voisine
Mais ce n'est pas pour nous
You !

Dansons la capucine
Y'a pas de vin chez nous
Y'en a chez la voisine
Mais ce n'est pas pour nous
You !

Dansons la capucine
Y'a pas de feu chez nous
Y'en a chez la voisine
Mais ce n'est pas pour nous
You !

Dansons la capucine
Y'a du plaisir chez nous
On pleure chez la voisine
On rit toujours chez nous
You !


©Tanguy Follio
(Arrangement déposé à la SACEM)

Télécharger Dansons la capucine (MP3)



Approche didactique de Dansons la capucine :

- Niveau d'interprétation : cycle 1 (avec une grande personne dans la ronde).
- J'ai placé une intro musicale de sorte que les enfants puissent se mettre en place et commencer à faire la ronde.
- Dans la version instrumentale, le tempo est volontairement rapide (pour une ronde dynamique).
- Quatre couplets à la suite demanderont un petit effort de mémorisation des paroles.
- La gestuelle, quant à elle, est répétitive. Les enfants marchent en marquant le rythme, s'accroupissent sur le "You !" puis repartent dans le sens inverse (ou pas c'est comme on veut).
- J'ai placé une courte pause après chaque "You !" pour laisser aux enfants le temps de se relever ;-)
- Quel est le bruit qu'on entend à la fin ? (est-ce du bois ? du métal ? du plastique ?)


Dansons la capucine Paroles et Accords en pdf

Télécharger les paroles et accords de Dansons la capucine

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Récapitulatif des billets consacrés à la composition de musique de film

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Un petit récapitulatif qui permet de regrouper mes articles par thèmes.

J'y dresse une liste des billets qui me paraissent les plus intéressants et qui correspondent le plus souvent aux questions posées par mail.

Orchestration et écriture
Conseils et astuces
Analyses d'extraits de BO		 Informatique musicale
Matériel et  logiciels pour
faire de la musique de film
- Doubler les instruments
- Etudier les partitions classiques
- Qu'est-ce qu'un trille ?
- Glissando de harpe
- Finale : éditeur de partitions
- Couleur modale : 7 modes
- Exemple de leitmotiv
- Choeurs et système D
- Style Back to the Future
- Le rôle de l'orchestrateur
- Intégrer les percussions
- Effets stridents
- Exemples de répétitions
- Analyse d'un extrait musical
- Accord de septième diminuée
- Marches harmoniques
- Score preparator
- La flûte traversière
- Résonnance et plans sonores
- Faire monter la tension
- Accélérations et ralentissements
- Effet merveilleux
- Notes maintenues (pédales etc)
- Séquenceur et banques de sons
- Exemple de traitement audio
- Le mastering
- Melodyne Studio (Celemony)
- Séquenceurs et éditeurs de partitions
- Les marqueurs dans Cubase
- Guitar Rig 3  de Native Instruments
- PC sur mesure pour créer de la musique
- Utiliser des boucles de percussions
- Absynth Twilights de Native Instruments
- Cubase 4 de Steinberg
- Mise à jour gratuite de Cubase 4
- Omnisphere de Spectrasonics
- Symphobia de PojectSam
- Browser pour les musiciens


Devenir compositeur
de musique de film
Etudier, démarcher
Les coulisses du métier		 Le statut du compositeur
Droits d'auteur, Impôts
Sécurité sociale, Intermittence
TVA, BNC, SIRET etc...
- Se former, étudier
- Faire son CD démo
- Protéger ses oeuvres 
- La musique source
- Le Temp-Track
- Les traumatismes auditifs
- Contacter les producteurs
- Coup de déprime
- Le pote musicos
- Un annuaire pour les musiciens
- Orchestres spécialisés
- L'audiodescription
- Témoignage de JJ Annaud
- Le Sound Design
- Limites des banques de sons
- Emettre des factures
- La TVA à 5,5 %
- Intermittence du spectacle
- Déclaration et Impôts
- Fiscalité : Bénéfice Moyen
- Formulaire 2042 C


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Instrument rare : les Ondes Martenot. Elles sont parfois utilisées dans la musique de film.

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Dans mon prochain post, je parlerai de la simulation des Ondes Martenot dans un séquenceur. En attendant, je consacre un petit article à cet instrument électronique :

Ondes Martenot


Il s'agit d'un oscillateur qui émet des ondes sonores très pures (genre sinusoïdales). Pour contrôler ce son et le transformer en quelque chose de musical, l'instrumentiste dispose d'un clavier qui se joue avec la main droite et d'un tiroir qui comporte une touche d'expression actionnée par la main gauche (pour changer les nuances, avoir un son sec ou un son doux etc...), ainsi que des curseurs et des molettes pour obtenir différents timbres.

Le résultat donne un son synthétique qui peut être très efficace si l'on veut créer des ambiances spéciales. Le fait de contrôler le son en direct tout en jouant les notes au clavier apporte un côté live et intuitif très intéressant. De nos jours, on retrouve cette analogie dans l'utilisation des machines (pleines de potentiomètres) sur les scènes de musique électro... A noter que les Ondes Martenot, existent depuis les années 30 (au passage merci à Maurice Martenot pour son invention).

Pour les auditeurs moyens comme nous, ce n'est pas tant l'utilisation du clavier qui nous est familière, mais plutôt cette sonorité bizarre en glissando que l'on obtient à l'aide d'un ruban et une petite bague. C'est un son étrange qui nous fait penser à une voix de fantôme et qui nous fait dire "ah mais je connais cet instrument, je l'ai entendu dans Mars Attacks de Danny Elfman l'autre jour" (ou dans The Day the Earth Stood Still de Bernard Herrmann pour les moins jeunes).

Effectivement :
(Mars Attacks / Danny Elfman)


C'est cette technique de jeu (vibrato et glissando) que j'essaierai de retranscrire dans un séquenceur au cours d'un prochain tutoriel.

En attendant, voici une vidéo de Thomas Bloch interprétant "Douce Nuit" aux Ondes Martenot (avec la bague et le ruban). Il est accompagné au piano par Jean-François Zygel.



Pour plus d'infos sur les Ondes Martenot ou les instruments rares, vous pouvez consulter le site très complet de Thomas Bloch.

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