Modifier l'orchestration de votre morceau

Actuellement, je fais quelques arrangements pour une émission de divertissement (France 2). C'est intéressant car ça change complètement de la relation que j'ai d'habitude avec le réalisateur. Cette fois-ci, le travail se fait en totale collaboration avec le compositeur de la musique originale (puisqu'il s'agit d'arrangements et non de compositions).

C'est même plus du ré-arrangement que de l'arrangement car je travaille sur des musiques qui sont déjà passées à l'antenne. Concrètement, je conserve la mélodie, ou un leitmotiv déterminant, mais je change les sons, les effets, les accompagnements, l'harmonie aussi parfois. De temps en temps, la voie est ouverte aux nouvelles idées, notamment l'ajout de plans d'orchestration (seconds plans, troisièmes plans...) que je glisse sous la thématique.

On s'en doute, la difficulté principale est de donner une peau neuve à un ancien morceau tout en prenant soin de ne pas trop s'éloigner de l'original (les gens sont habitués aux musiques). Il ne faut donc pas trop dénaturer ces dernières et trouver le bon dosage, les consignes du compositeurs aidant pour le mieux :-)

Ce travail est très intéressant. Et puis c'est toujours valorisant de se dire que beaucoup de spectateurs pourront entendre la musique (passage TV oblige). Cependant, une petite frustration peut naitre du fait de ne pas arranger mes propres mélodies. Et c'est vrai que pour faire un bon arrangement, il me paraît indispensable de bien ressentir la musique écrite par l'autre artiste (sinon, on risque d'arranger la musique de manière intellectuelle). En d'autres termes : il faut bien kiffer le morceau avant de se lancer dans le taff !

PS : au fait, je préfère ne pas mentionner le nom de l'émission tant qu'elle n'est pas diffusée. j'ai aussi un devoir de réserve vis à vis de la production et du compositeur. Disons que ce billet est juste là pour décrire le travail d'arrangeur :)

(Du coup, j'ai dû supprimer les commentaires qui divulguaient trop d'informations... désolé les amis...)

Ce ne sont pas vraiment des nouveautés, mais je voulais les répertorier ici :

Le premier forum est celui de NorthernsSounds, sur lequel on parle de banques de sons, de l'écriture, de l'harmonie et de l'orchestration. On y trouve le fameux "Principles of Orchestration by Rimsky Korsakov" (interactif, avec des exemples sonores)

Le second s'appelle The Orchestration Forum, où l'on peut poser toute sorte de questions, ou bien y répondre, à propos de l'orchestration (d'ailleurs, j'y ai trouvé quelques vieilles connaissances, n'est-ce pas Damien D ?)

C'est en Anglais (ça peut être bien pour se familiariser avec l'Anglais spécifique au domaine de la musique orchestrale).

Avec cette avancée technologique, les ingénieurs repoussent les limites de l'édition audio (analyse polyphonique d'un signal !).



Melodyne Studio de la marque Celemony offre des possibilités très intéressantes : outre les fonctions très précises de correction d'amplitude et de hauteur, il permet de créer de nouvelles rythmiques et de nouveaux accords à partir d'une phrase de guitare de départ (ou de batterie, de piano etc....) et tout ça sur un matériau audio ! On peut donc "créer" quelque chose de nouveau avec cet outil.

Par exemple, en théorie, il serait possible (et là j'emploie le conditionnel) d'isoler chaque note d'un morceau joué au piano (pris dans un CD du commerce) et de modifier la mélodie, l'harmonie et la rythmique de ce morceau... auquel on pourrait ajouter d'autres instruments (provenant de nos banques de sons ou même d'autres CD , pourquoi pas...).

L'intérêt, je le vois dans le fait de faire moins appel au MIDI, notamment l'utilisation des samples (qui bien qu'issus d'instruments réels, ne permettent pas de retranscrire le jeu de l'instrumentiste).
Avec Melodyne, on travaillerait directement à partir de phrasés modulables à souhait ce qui permettrait de conserver d'une part le "gros son" d'origine, et d'autre part le jeu instrumental (respirations, attaques, portamentos, liaisons, relâchements, vibration etc...) sans oublier l'émotion de l'instrumentiste captée lors de la prise de son, d'où une sensation de réalisme.

Comme beaucoup de musiciens qui n'ont pas encore essayé la bête, je me pose des questions concernant l'efficacité du logiciel sur les phrasés très riches harmoniquement et mélodieusement (BO d'Harry Potter par exemple) ou très sales (Métal, grunge etc...). Idem pour les musiques qui ont beaucoup de réverbe.

Mais ce qui est sûr, c'est que Melodyne semble être un très bon outil pour ceux qui enregistrent déjà avec des vrais instruments et qui ont besoin de retravailler les phrasés (ou d'en créer d'autres) à partir de leur propres prises.

Enfin, sachez que Celemony propose des banques de sons (sous forme de phrases instrumentales, riffs, solo...). Il y a tout un choix d'instruments, pour le moment issus du registre pop rock jazz etc... : Horn section, electric bass, guitar, saxophone, voice.

A quand les motifs de violons ? ;-)

Programmé et mixé par Jay Bacal, à partir de la VSL (Vienna Symphonic Library), le célèbre ballet composé par Igor Stravinsky sonne particulièrement bien pour du virtuel.

On peut écouter les 2 tableaux (et si l'on veut, chaque scène séparément) en cliquant ici

Un travail de longue haleine (6 mois) en ayant pris comme repère des enregistrements dirigés par Leonard Bernstein et Seiji Ozawa.

• Entrée de toutes les notes
• Calage du tempo (accélérations, rubato etc..)
• Articulations expressions de chaque instrument (1 par 1)
• Affinement du tempo
• Doublure des cordes par des cordes solo (pour plus de réalisme)
• Traitement audio (compression, égalisation, réverbe)
• Mixage

Je salue le mérite de Jay Bacal pour ce travail de fourmi, car rendre des phrasés le plus réalisme possible n'est pas chose facile, surtout sur une telle durée. D'autant plus que Le Sacre du Printemps a été écrit pour un orchestre XXL, avec une instrumentation imposante :

1 piccolo, 3 flûtes, 1 flûte alto, 4 hautbois, 1 cor anglais, 1 petite clarinette en ré et en mib, 3 clarinettes en sib et en la, 1 clarinette basse sib, 4 bassons, 1 contrebasson, 8 cors, 1 petite trompette en ré, 4 trompettes en ut, 3 trombones, 2 tubas, 5 timbales (deux musiciens), grosse caisse, tam-tam, triangle, tambour de basque, guiro, 2 cymbales antiques, violons 1, violons 2, altos, violoncelles, contrebasses (nombreux divisi chez les cordes).

"La flûte traversière, ce bout de tuyau où l'on souffle par le côté"

Un instrument à vent, donc, qui donne un son pur et délicat. La flûte est très souvent utilisée dans les orchestres classiques, mais aussi dans le domaine du jazz.

Dans la musique de film, on lui confie différents rôles comme par exemple, jouer la mélodie, doubler des parties de cordes, jouer un contrechant, faire des ornementations, participer aux orchestrations de second plan (pour la résonance), interpréter des leitmotivs rythmiques etc...

Voici deux extraits musicaux illustrant des exemples différents d'interprétation :

1. Le premier qui est le thème principal du film La peau douce (Georges Delerue) est interprété par une flûte solo dans un registre medium. Un très beau film, porté par un thème musical bouleversant.
   
   



2. Le second qui est tiré de la bande originale du film Alien (Jerry Goldsmith) met en évidence l'utilisation d'un leitmotiv particulièrement angoissant (sur les images tout du moins).
   
   

Insolite :

Parmi les différentes techniques (flattertzungue, over-blowing, slap etc...) il en existe une qui consiste à chanter ou imiter une boite à rythme (beatboxing) tout en jouant.



Visitez également la page du compositeur flûtiste Joce Mienniel
En cliquant ici

Une petite comptine qui s'intitule Dans l'herbe mouillée pour faire plaisir à Vincent B ;-)

• Chant : Rémi
• Arrangement : Tanguy Follio

Comme quelques uns de mes collègues (Alex, David, Laurent, Bernhard etc...) il fût un temps où je faisais des arrangements pour des comptines du domaine publique.
Cela n'a rien à voir avec la musique de film ! me direz-vous... Certes, mais c'était tout de même très formateur.

D'abord sur le plan narratif, car il fallait choisir une instrumentation qui collait à l'identité de chaque comptine (du saxo pour les petits canards, de la flûte pour les petits oiseaux, de la fanfare pour les clowns etc...).
Ensuite sur le plan harmonique, car il fallait trouver des enchainements d'accords intéressants (autres que I-V-I) pour accompagner les mélodies très simples, ce qui n'était pas si évident ! Il suffit d'écouter les diverses variations de Mozart sur "Ah vous dirais-je maman" pour s'en rendre compte.




Dernièrement, je me suis fait un petit arrangement de Un éléphant qui se balançait de manière un peu rock pour m'amuser (guitare, batterie, cuivres). Chant : Gwen Follio (p'tit frère)



Pour rependre ce que j'expliquais plus haut, on peut entendre, tout à la fin, un shaker de trompettes ainsi qu'un glissando de trombones qui décrivent la dégringolade des éléphants...

La danse.... la pulsation, le battement, le tempo. Je connais, par exemple, un compositeur de musique de film particulièrement doué pour la Salsa ! J'ai essayé la salsa un jour.... sans succès.

Moi mon truc, c'est plutôt le Step. c'est bon pour le cardio, la mémoire (enchainer les gestes), et ça défoule bien après de longues heures face à l'écran... Plus technique et aérien que le Madison, moins complexe que le Modern jazz, le step est devenu mon activité physique préférée (avec le tronçonnage d'arbres).

Dans la vidéo ci-dessous, je suis le p'tit gars au premier plan à gauche, qui se traine un peu par moment (ne pas me confondre avec le prof qui porte la casquette et qui danse mieux, du reste).




Idée pour plus tard : composer des musiques dédiées au step, alliant Techno et musique de film.

Petit rappel pour cette soirée :

Découvrez sur la chaine ARTE ce soir à 22h25 (jeudi 3 septembre 2009) une émission consacrée à la période 1965-1975 pendant laquelle des compositeurs comme Michel Legrand, John Barry, Lalo Schifrin ou encore Ennio Morricone ont véritablement su se démarquer par leurs styles innovants (brassant l'orchestral, le jazz, la pop, les synthés analogiques, la musique expérimentale etc..).

Ce soir j'irai écouter sur Arte les témoignages de ces grands artistes et satisfaire un peu plus ma curiosité sur cet univers qu'est la musique de film :)

Pour ceux qui n'auraient pas eu la chance de visiter ce blog génial avant 22h25 (et qui ne possèdent pas de programmes TV), Arte a eu la bonne idée de prévoir des rediffusions :

• 6 septembre 2009 à 13:00
• 20 septembre 2009 à 05:00
• 21 septembre 2009 à 09:55

Pratique !

Je développe ici le tip que j'ai placé sur ma page myspace.

Prenez n'importe quel note, par exemple un sol2. Puis montez la gamme en respectant les intervalles suivants :
1/2 ton, 1 ton, 1/2 ton, 1 ton etc... jusqu'à tomber sur la même note à l'octave (ici sol3). Cela donne une gamme de 9 notes.

Vous avez remarqué comment Alan Silvestri use et abuse de ces 9 notes dans la musique de Back To The Future II ? :





A) Marty découvre le Futur (2015) :

1. Faisons jouer cette gamme au ralenti par une harpe :



2. Puis en accéléré :



3. Encore plus vite (et plus doux aussi) :



4. Maintenant, jouons la sur 2 octaves :



5. Ensuite, faisons un mouvement de va et vient (up and down)



6. Faisons jouer ce up and down 2 fois de suite dans le registre pianissimo :



7. Ajoutons un crescendo de cors :



8. Un peu de windshimes pour renforcer le côté fantastique :

B) Nom de Zeus :

1. Faisons jouer les 5 premières notes de la gamme par des instruments aigus
2. Puis jouons les 5 dernières notes de la gamme, mais en descendant, avec des instruments graves
3. En superposant 1 et 2 on obtient un "escalier" très reconnaissable dans la BO

C) Le run qui déchire :

1. On prolonge cet escalier des graves jusqu'aux aigus
2. Le tout joué très très vite et très lié
3. On rajoute un glissando de Harpe (toujours la même gamme) dans les aigus

Dans le prochain billet, je vous ferai écouter une musique que j'ai faite dans le style de Retour vers le futur ;-)
Pour le réalisateur Stéphane Berla.

Aujourd'hui, je laisse la parole à mon collègue Beryann Parker ;-)
Tanguy
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Les 2 pistes que j'ai composées et proposées ici en streaming, correspondent , selon moi, à deux grands types de difficultés rencontrées dans l'utilisation de banques de sons à l'intérieur d'un logiciel hôte:

• La dynamique
• L'articulation (instrumentale: pizz, legato, sfz etc)

Il s'agit de deux paramètres associés à l'environnement hardware qui leur donne vie: le controleur Midi.


Dans le cas du morceau "sine nomine par augusta" (ci-dessous), mon problème essentiel fut celui de la dynamique des voix. En effet, ce fugato fait s'enchainer par tuilages successifs des voix de choeur sans avoir de vraie maîtrise sur les nuances de celles-ci.

En effet, J'ai utilisé Live et un plug-in dans Reaktor "Hallelujah" que j'aime particulièrement avec un clavier CME U80 chinois de bonne facture, en widi (wifi version Midi) mais au toucher trop lourd pour permettre de restituer de façon subtile et crédible les piano, mezzo-forte ou forte que je souhaitais à priori! Donc, mon clavier n'était pas adapté! j'aurais dû, dans mon cas, utiliser mon "bon vieux" Edirol PCR-M80 , filaire lui pour le Midi; au toucher beaucoup plus "mou" mais à la vélocité plus contrôlable.

Sine nomine per augusta by Beryann Parker



A l'inverse pour le morceau avec orchestre "sads thoughts in the morning" (ci-dessous), je l'ai réalisé un matin à "l'arrache" comme on dit, et là j'ai utilisé Kontakt 3 dans Digital Performer 7 avec le sus-cité cité Edirol.

Mais hélas, je n'ai pas réfléchi dans ma précipitation fébrile aux 4 octaves de ce clavier Midi qui ne permettent pas de visualiser le premier octave, en bas sur l'écran ( l'inverse du CME !), à partir duquel on accède aux différentes touches d'articulation,(des violons ici en l' occurence). Résultat, hormis une manipulation souris, toujours aléatoire dans la vitesse du flux audio, il ne me restait plus qu'à m'en tenir à UNE articulation ("legato" dans ce cas).

Orchestral sad thoughts in the morning by Beryann Parker

Dans les deux cas, j'ai utilisé la pédale de sustain mais, suivant le type d'instruments, à "appuyer" avec modération!

L'édition Midi à l'intérieur du logiciel, souvent permet de rectifier, voire d'améliorer certains cas critiques mais la manipulation, simple et salvatrice dans certains cas, peut s'avérer "casse-tête" (voire destructeurs) pour certains paramètres trop distants dans le temps par exemple.

Pour résumer, la précipitation est souvent mauvaise conseillère, et aussi professionnel soit-on, au sein de son home-studio deux claviers Midi ne sont pas de trop en fonction de son projet!

Beryann

Le lien vers ma playlist "orchestral" sur Soundcloud
http://soundcloud.com/beryann-parker/sets/orchestral

Aujourd'hui, je laisse la parole à mon collègue Dominique Lucas
Tanguy
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Introduction Notion3 :

Vous qui êtes amoureux de musique symphonique, de MAO…

Vous qui avez des envies de composition, de faire jouer à votre ordi le plus belles envolées lyriques, mais qui ne maitrisez pas forcément le cœur du protocole MIDI…

Vous qui souhaitez faire rapidement une maquette avec des moyens pas trop couteux…

Notion3 est fait pour vous.

Il s’agit d’un logiciel hybride entre l’éditeur de partition, le séquenceur et le mixeur, qui peut tourner sur une plateforme Mac, PC ou iPad.

Notion3 vous permet de définir un ensemble d’instruments (a priori d’orchestre classique, mais pas que) qui composeront votre orchestre. Chaque instrument aura sa propre portée, pourra avoir sa propre clé, sa transposition (pour les instruments transpositeurs).



Dans chaque portée, vous pouvez entrer vos notes, comme dans un éditeur de partition tel que Finale, c’est-à-dire, avec les informations de changement de tempo, les articulations, les cresc. Et dim., des « hairpins », des notations (pour de paroles ou pour indiquer ce que vous voulez).



La plupart des indications ne sont pas que figuratives. En effet, Notion3 va ensuite pouvoir « jouer » votre partition en tenant compte des notes entrées et de toutes les indications que vous avez apportées.

Voici un exemple de ce que l’on peut faire, rien qu’en installant le logiciel, et en entrant la partition. Cet exemple est fait sans toucher à aucun paramètre, c’est du brut de fonderie :



Pas égalisé, une réverbération et une panoramique par défaut, et c’est déjà une maquette !

NB : svp, ne critiquez pas ce bout de truc, ce n’est qu’un exemple, pas une œuvre.

Mais Notion3 va beaucoup plus loin. Le logiciel donne une fonction de mixer, certes simplifiée, qui suffit largement à manipuler les paramètres basiques comme le volume de chaque instrument, la panoramique. De plus, le mixer permet de gérer 4 groupes et l’insertion de 4 effets (VST) par piste/groupe ou master:



Notion3 peut aussi piloter votre séquenceur favori via « rewire », et donc devenir le maitre-tempo de votre installation MAO.

Des sonorités de rêve ?

Notion3 est vendu avec une bibliothèque d’échantillons suffisante pour démarrer. Ce sont des sons captés depuis l’orchestre symphonique de Londres. La société Notion vend des compléments pour des articulations et des couleurs sonores complémentaires (par défaut, pas d’ensemble de cors, mais un unique soliste). Les sons d’origines sont bien équilibrés (cf. l’exemple cité plus haut) et permettent réellement de pratiquement tout faire.

La banque de son par défaut, bien que conséquente, n’est pas en soi suffisante : il manque des instruments (percussions manquantes, sections des vents manquantes, articulations de pizz pas complètes…) aussi, l’utilisateur s’orientera rapidement vers l’achat des compléments. Cette bibliothèque est propriétaire à Notion3, et ne peut pas être utilisée sans Notion3 (pas de possibilité de la mettre en œuvre via un lecteur d’échantillons externe tel Kontakt ou autre Play).

Un monde ouvert ?

Pour ceux qui auraient déjà investi dans des banques de sons de-la-mort-qui-tue, Notion propose plusieurs ouverture afin de les utiliser, au travers de VSTi et de l’utilisation de MIDI.

Au niveau des VSTi, Notion reconnait tout seul ceux que vous avez déjà installés sur votre système. Vous avez la possibilité de définir les sonorités joués lorsque telle ou telle articulation est écrite dans la partition au travers d’un fichier de règles au format XML. Comme Notion connait bien les banques de son les plus répandues, il nous fournit les règles pour les VSTi suivant :

• EWSO platinum et gold version Play
• VSL
• Garritan Personal Orchestra
• IK multimedia Miroslav Philharmonik

Les fichiers de règles font que vous pourrez utiliser les instruments de ces banques de la même manière que ceux interne à Notion (sélection de l’instrument VSL, par exemple, et juste saisie des informations de notes et articulations dans la portée)

Si votre VSTi n’est pas dans la liste ci-dessus, pas de problème, mais il vous en coutera l’écriture des règles associées. J’ai personnellement essayé d’adapter les règles pour Miroslav Philharmonique (ajout de glissés pour les cordes) et c’est franchement beaucoup trop de temps passé à ne pas faire de musique à mon goût.

Si votre banque de sons n’est pas un VSTi, pas de problème. Notion peut associer une portée à un port MIDI de votre choix (physique ou logique). Je n’ai pas testé cette partie, aussi je ne peux me prononcer sur la facilité de son emploi.

Le conseil du jour : J’ai personnellement opté pour l’ajout et l’utilisation de la bibliothèque IK Miroslav philharmonik. Non pas qu’elle soit « de-la-mort-qui-tue », elle est ancienne et est enregistrée avec une réverbération impossible à retirer. Seulement après écoute, j’ai trouvé que les sons de bois sont plus convainquant que ceux de Notion. Non, pas convainquant. Complémentaire. La flûte de Notion est belle, pure, sans vibrato. Celle de IK est chaude et avec un vib qui fait tirer des larmes, même seule.

Le bon compromis est le mélange entre les sons LSO de Notion et une autre couleur, un ajout. J’aime avoir deux portées pour les alti, car les deux sons se mélangent, peuvent se séparer, il est plus simple de faire un divisi qui « parle » vraiment…

Et le côté « humain » de l’exécution ?

Au-delà de la manipulation possible note par note, Notion propose plusieurs outils pour aider à humaniser votre œuvre, le « tempo staff » avec enregistrement de « performance », le « velocity overdub » et les fonctions d’aléa.

Tempo staff et enregistrement de performance :

Vous devenez le chef d’orchestre !

Très souvent, lors de l’écoute d’une œuvre, l’on se laisse entrainer (ou bercer, selon la rapidité du tempo) par la cadence, on tape du pied, de la tête, on entre en osmose avec les battements. Notion permet de faire l’inverse.

Par défaut, Notion applique un tempo (90 à la noire) que l’on peut paramétrer, et garde ce tempo jusqu’à ce qu’une autre marque de tempo apparaisse – oui, oui, on peut aussi faire des retenues, des points d’orgue...



Si vous voulez maitriser le tempo, ses changements graduels (ou brutaux), vous pouvez le faire en définissant un « tempo staff » Vous pouvez décider de la valeur des battements :



Dans cet exemple, la première mesure aura 4 battements, correspondant à la signature rythmique, la seconde se verra associé à un battement moins conventionnel (2-1-1-2), puis encore plus étrange (3-1/2-1)… En général, pour battre la mesure, on se contentera de la signature.

Vous pouvez définir les valeurs de notes de chaque mesure à votre convenance, et en mode « performance », vous pourrez battre la mesure sur le clavier de votre ordi (ou votre clavier midi).

Cette performance est enregistrée, et peut être restituée à l’écoute, en export wave ou midi…

Le « velocity overdub »

Vous devenez instrumentiste !

Exactement de la même manière que pour « piloter » le tempo, vous pouvez demander à Notion de réenregistrer la vélocité d’une des portées. Attentions, toutefois, ce mode peut rendre la partition incohérente avec le rendu (marqué fortissimo, et joué pianissimo…)

Vous devrez utiliser un clavier midi, sensible à la vélocité, pour réaliser cet overdub.

Les fonctions d’aléa

Bien, Notion permet de faire varier le tempo, accélérer ou ralentir, jouer plus ou moins fort… Mais pour autant, tel que vous avez pu l’entendre dans l’exemple plus haut, le rendu reste froid, trop mécanique.

Notion nous propose deux axes d’humanisation aléatoires.

Le premier permet de modifier aléatoirement la vélocité d’un ensemble de notes (une ou plusieurs portées) dans la limite d’une fourchette. Ceci est très pratique pour amoindrir l’effet mitraillette sur des séries de staccatos.

Le second permet de modifier légèrement le moment ou une note est jouée, ce qui rend un effet particulièrement bluffant lors d’un tutti et peut aussi amoindrir l’arme de guerre mitraillette.

Conclusion : Alors, c’est l’outil parfait ?

Loin s’en faut. Notion est un des maillons de ma chaine MAO, mais pas le seul. En introduction, je disais qu’il s’adresse à ceux qui ne bidouillent pas le MIDI, et pour cause. Notion ne donne pas d’interface à l’utilisateur pour bidouiller facilement. Impossible de dessiner la courbe d’un CC quelconque. Pas de « piano-roll » pour les adeptes du style. Pas d’édition des événements midi simple.

De la même manière, Notion n’est pas pour entrer une partition en enregistrement « live », même si une fonction enregistrement existe.

Ce qui est effectivement enregistré, ce sont les notes, et pas les contrôles midi. Adieu la pédale du pianiste qui pourtant fait partie intégrante de l’exécution d’un morceau. Il faudra la rajouter ensuite à la main dans la partition.

Voici le lien vers le distributeur : Notion Music

Dominique

P.S. Je ne suis pas rémunéré par Notion, mon enthousiasme est celui d’un utilisateur lambda :)