Piano clarinette

De temps en temps, pour reproduire une couleur musicale qui rappelle de vieux morceaux j'aime bien doubler de la clarinette par un son de trompette bouchée (sourdine, mais pas trop de fréquences aiguës). ça donne quelque chose dans le style "canard qui tousse" mais c'est assez nostalgique je trouve.

Avec une rythmique charleston en arrière plan, ça rappelle le bon vieux temps des années folles... quand mon grand-père n'était encore qu'un gamin.

Dans l'extrait suivant, 4 passages successifs :

1. Piano (Halion One)
2. Piano + clarinette (Synful)
3. Piano + clarinette + trompette sourdine (je ne sais plus d'où vient ce sample)
4. Exemple dans un mix (dansons la capucine)

Voici les tonalités des instruments les plus communs :


Orchestre symphonique (Do = Ut):

• Piccolo : Do
• Flûte traversière : Do
• Hautbois : Do
• Cor anglais : Fa
• Clarinette : La (parfois Sib)
• Basson : Do
• Cor français : Fa
• Trompette : Do ou Sib
• Trombone : se joue en Do (bien qu'ayant un sib en note fondamentale)
• Tuba basse à 4 pistons : Do
• Cordes : Do

Harmonie :

• Piccolo : Do
• Flûte traversière : Do
• Clarinette : Sib
• Saxo Soprano : Sib
• Saxo Alto : Mib
• Saxo Ténor : Sib
• Saxo Baryton : Mib
• Cor d'harmonie : Fa
• Trompette : Sib
• Trombone : se joue en Do (bien qu'ayant un sib en note fondamentale)
• Tuba : Sib (appelé basse Sib)

Il existe, bien sûr, d'autres instruments transpositeurs (comme la petite clarinette en Lab, la trompette en Ré..) mais ils sont moins souvent utilisés. Je préfère focaliser ce billet sur les instruments les plus communs.

Ci dessous, un petit tableau que je m'étais fabriqué il y a quelques années. Il permet de savoir, pour une tonalité donnée (tonalité de la musique telle qu'on l'entend), dans quelle tonalité seront écrites les partitions des instruments transpositeurs tels que la clarinette, le cor français, le saxo alto etc...





Par exemple, pour une musique écrite en Fa, la partition d'un instrument transpositeur en Mib (comme le saxo alto) devra être écrite en Ré.

Autre exemple, vous composez un passage musical en Ré, alors les clarinettes Sib joueront en Mi (avec 4 dièses à la clef).

Ce tableau peut être utile aux jeunes compositeurs qui feront interpréter leur musique par un orchestre d'étudiants ou par l'harmonie du village. Un rapide coup d'œil permet de voir qu'il y a des tonalités plus confortables à déchiffrer, et ce pour tous les instruments.

Par exemple, si je compose une musique en sib pour une harmonie, les instruments non transpositeurs auront une partition en sib (2 bémols seulement à la clef). Les clarinettes sib auront une partition en Do (pas de bémols ni de dièses à la clef). Les saxophones alto auront une partition en Sol (2 dièses seulement à la clef), les cors auront une partition en Fa (un seul bémol à la clef).

Pour répondre à la question de Cédric G. "Comment faire un accompagnement, par exemple pour donner une impression de mouvement à ma mélodie que je trouve trop figée, trop mécanique...." je vais utiliser un exemple à partir d'une musique que j'ai écrite il y a très peu de temps.

J'ai ma mélodie en rythme ternaire, je sais à peu près ce que je vais mettre comme accords (harmonie) pour accompagner cette mélodie. Il me reste à trouver dans l'accompagnement, un rythme et une orchestration qui vont apporter une sensation de mouvement. Comme il s'agit d'une musique pour un passage assez doux à connotation cinématographique, je proscris les boucles de batterie, les percussions tribales et les riffs de guitare, et privilégie les instruments (virtuels) de l'orchestre symphonique.

1. Élément de départ :

Piano + ligne de basse + glissando de harpe. Avec les pizz de contrebasses, j'ai déjà un aperçu du rythme général. A ce stade je cherche un instrument qui pourrait jouer une sorte de contrechant sous forme de phrasé très rapide et fuyant (comme le vent).


2. Ajout d'un leitmotiv pour donner du mouvement :

Pour ce phrasé rapide en contrechant, j'opte pour une clarinette assez fluide. Pour moi, c'est ce leitmotiv qui est le plus déterminant et qui va donner du mouvement à l'ensemble. Donc, dans la mesure du possible, je passe beaucoup de temps sur cette étape, à la recherche des bonnes notes.


3. Renforcement du leitmotiv (par doublures) :

Je double le phrasé de la clarinette par les alti, puis en deuxième partie par les violons 1 (une octave au dessus, pour donner du relief). En effet, la clarinette seule risque d'être noyée dans la masse. En doublant cet instrument par des cordes, j'ai plus de profondeur et mon contrechant devient plus audible dans le mix.
Dans la dernière étape, Il me restera les instruments que je n'ai pas encore utilisés, pour fabriquer un tapis sonore. Ce tapis me sera utile pour lier, soutenir, donner de la consistance, et bien évidemment pour apporter une couleur supplémentaire.


4. Accords plaqués pour lier le tout :

On note que ce tapis sonore est essentiellement constitué d'accords plaqués (les accords que j'avais préalablement trouvés en composant avec mon piano). Concernant l'instrumentation, j'ai privilégié les cors, les violons 2, les violoncelles et des chœurs très doux. J'ai laissé de côté les flûtes et hautbois de manière à garder une tessiture qui évolue dans les mediums. D'ailleurs dans cet exemple, j'ai axé l'instrumentation vers des tessitures mediums, de manière à ce que le piano (plutôt aigu) ressorte bien.

En résumé :
Sur la mélodie de départ, j'ai greffé une deuxième mélodie, rapide et fluide (= plan mouvement). Puis j'ai plaqué des accords (= plan tapis).

Plan mouvement (cla + Vla + vl1) :


Plan tapis (Hn + Vlc + Vl2 + Choeurs) :


Il suffit de ré-écouter le début de l'étape 1 puis le début de l'étape 4, pour constater à quel point l'accompagnement a un rôle crucial dans la personnalité d'une musique. Les "thèmes" sont évidement incontournables en musique de film (The Imperial March, Lawrence d'Arabie, Mission Impossible ...) mais jouer leur thématique seule au piano n'a pas le même impacte que lorsqu'on les entend arrangés et orchestrés.

Il ne faut que quelques minutes pour lire ce billet et écouter les extraits. Pourtant, l'accompagnement musical et l'orchestration nécessitent un paquet d'heures passées à chercher, à tester des rythmes et des couleurs, à peaufiner, à jeter...
Je pense que les banques de sons d'orchestre, si elles ne sonnent pas toujours comme un vrai orchestre permettent au moins de s'exercer. Que vous soyez autodidacte ou que vous suiviez des cours d'orchestration, je dirais qu'il faut avant tout "ex-pé-ri-men-ter".

Programmé et mixé par Jay Bacal, à partir de la VSL (Vienna Symphonic Library), le célèbre ballet composé par Igor Stravinsky sonne particulièrement bien pour du virtuel.

On peut écouter les 2 tableaux (et si l'on veut, chaque scène séparément) en cliquant ici

Un travail de longue haleine (6 mois) en ayant pris comme repère des enregistrements dirigés par Leonard Bernstein et Seiji Ozawa.

• Entrée de toutes les notes
• Calage du tempo (accélérations, rubato etc..)
• Articulations expressions de chaque instrument (1 par 1)
• Affinement du tempo
• Doublure des cordes par des cordes solo (pour plus de réalisme)
• Traitement audio (compression, égalisation, réverbe)
• Mixage

Je salue le mérite de Jay Bacal pour ce travail de fourmi, car rendre des phrasés le plus réalisme possible n'est pas chose facile, surtout sur une telle durée. D'autant plus que Le Sacre du Printemps a été écrit pour un orchestre XXL, avec une instrumentation imposante :

1 piccolo, 3 flûtes, 1 flûte alto, 4 hautbois, 1 cor anglais, 1 petite clarinette en ré et en mib, 3 clarinettes en sib et en la, 1 clarinette basse sib, 4 bassons, 1 contrebasson, 8 cors, 1 petite trompette en ré, 4 trompettes en ut, 3 trombones, 2 tubas, 5 timbales (deux musiciens), grosse caisse, tam-tam, triangle, tambour de basque, guiro, 2 cymbales antiques, violons 1, violons 2, altos, violoncelles, contrebasses (nombreux divisi chez les cordes).

Il y a 2 ans environ, j'ai écrit un billet sur les doublures. Hélas, j'ai dû mettre l'article off-line car j'ai supprimé de mon serveur par inadvertance quelques extraits sonores (extraits non sauvgardés sur mon PC, prévoyant que je suis).

Aujourd'hui, je reviens avec un exemple sur les doublures (à partir d'une mélodie de violons). L'article n'est pas aussi complet que l'ancien, mais il est intéressant pour les musiciens qui manipulent les samples orchestraux et qui n'osent pas doubler.

Partons de ce joli thème (composé jadis par un vieil ami), joué par les seconds violons, et par mon ordinateur :

E.T Main Theme (John Williams) :


La mélodie est belle, mais elle manque d'expressivité et de profondeur. Afin de lui donner plus de présence et une plus belle couleur, John a eu la brillante idée de la doubler plusieurs fois :

• Une doublure à l'unisson par une clarinette
• Une doublure à l'octave supérieure par les premiers violons
• Une doublure à l'octave inférieure par les violoncelles et une clarinette

Ce qui donne :

E.T Main Theme (encore John Williams) :



Note : la mélodie est probablement doublée par les altos aussi.

Dans le séquenceur, c'est très simple, il suffit de copier-coller la séquence midi des violons II vers les autres instruments. On décale quelques notes de quelques millimètres, on change quelques expressions, nuances, la panoramique... et ça ne prend que quelques minutes.

Evidemment, il n'est pas question de tomber dans l'excès et de tout doubler systématiquement. Mais disons que certaines doublures bien placées apporteront à vos thèmes de l'expressivité et de la consistance... et bien sûr de nouvelles couleurs !

Dans certaines bandes originales, il n'est pas rare d'entendre des poses de sons (de une ou plusieurs notes) partant d'une nuance piano, montant vers le Forte et redescendant vers un faible volume sonore. Je trouve que ça donne un côté inquiétant, surtout si c'est joué dans les graves et si c'est répété plusieurs fois.


Quelques exemples extraits de ma minuscule collection de BO :

Kiss The Girls (Mark Isham)


What Lies Beneath (Alan Silvestri)


L'homme en noir (Tanguy Follio)


Interview With The Vampire (Elliot Goldenthal)




Côté programmation, il existe dans les banques de sons des samples clé en main proposant des notes jouées en pfp (piano-forte-piano), mais c'est valable sur une seule note...
Pour simuler un crescendo diminuendo sur un groupe de notes, on utilisera le contrôleur de volume (ou d'expression), et pourquoi pas essayer de faire varier le timbre de l'instrument en modifiant la brillance (contrôleur Brightness, pour les sons Roland GS ou Yamaha XG par ex..), ou bien jouer avec les filtres Cut-off et résonance.

Dans Synful, il est très facile de faire varier le timbre sur les notes MIDI, en utilisant le contrôleur cc103 "Harmonic Tilt". Si je veux faire un crescendo de trompettes, j'augmente l'intensité sonore (de Piano à Forte) et je modifie respectivement la teinte du son (de mate à brillante). En effet, plus on souffle fort dans un cuivre (trompette, trombone etc...), plus le son devient brillant.

Un petit effet très basique et certainement très utilisé, est d'ajouter une note de percussion sur un son qui a une attaque ample et molle. Je pense par exemple à une note dans les graves, comme ci-dessous. Contrebasses + Tuba + accord dissonant de trombones :




Si j'ajoute une timbale, je vais obtenir une accroche plus franche qui va permettre à la pose de sons de mieux se distinguer.
Contrebasses + Tuba + accord dissonant de trombones + timbales :




En rajoutant un son de cloches tubulaires, je vais obtenir une attaque plus limpide, et puis ça va apporter un petit côté à la fois mystérieux et solennel (très cinématographique).
Contrebasses + tuba + accord dissonant de trombones + timbales + cloches tubulaires :






Une attaque avec une note de piano a également un bel effet.

Bien sûr, créer une attaque franche n'a rien d'obligatoire. C'est selon ce que vous souhaitez apporter comme sentiment, en fonction des images ou de vos goûts personnels. J'entends souvent cette cloche tubulaire quand je regarde la TV, j'avoue que c'est un son qui me plait bien :)

Leitmotiv (nom masculin)
Motif musical repris plusieurs fois dans une même œuvre. Propos qui revient sans cesse.

Il faut souvent un point de départ pour construire une musique : un matériau musical à partir duquel on va développer une thématique. Cela peut être une mélodie, une rythmique, un enchainement d'accords...

Dans le cas d'une musique d'action que j'ai faite il y a quelques mois, je me suis basé sur le leitmotiv ci-dessous, unique point de départ :



Alors j'ai fait jouer ce leitmotiv en trémolo par des violoncelles, afin d'apporter une base mystérieuse et "mouvante" : pour créer une atmosphère un peu stressante (vitesse, panique). En même temps, j'ai essayé de créer un effet de va et vient en jouant sur les nuances (p-f-p) comme pour imiter des bourrasques de tempête.

Par moments, j'ai voulu doubler ces mêmes notes en staccato par des cuivres (essentiellement des cors français), pour appuyer le côté "action".

Ensuite, j'ai placé des boucles de rythmes (Stormdrums, 150 bpm) et j'ai commencé à chercher diverses mélodies jouées par des instruments aigus (violons flûtes, xylophone, caisse-claire etc...).

Ecouter un extrait :


Bon, à l'écoute, on s'aperçoit que le leitmotiv de base joué par les violoncelles n'apparait plus comme l'élément principal. Pourtant il revient de manière récurrente et apporte ce petit côté anxiogène que j'aime bien...

Voilà, juste pour dire qu'avec les mêmes notes, on peut créer des effets en jouant sur les nuances, l'orchestration (violoncelles, cors etc... ) et la notation (trémolos, piqués etc...). Souvent, quand je cherche des notes au piano, j'essaie de penser à la couleur orchestrale que je vais créer (de manière à apporter le sentiment désiré par le réalisateur).

Approche didactique de C'est la baleine :

- Niveau d'interprétation : autour de 5 ans (moyenne et grande section)
- C'est l'occasion de rappeler que la baleine n'est pas un poisson mais un mammifère ;-)
- Dans la version instrumentale, on peut faire remarquer aux enfants la présence de 2 sons rappelant l'univers de la mer (un bruit de sous-marin et un plouf).
- Sur le son qui fait plouf, les enfants peuvent s'exclamer sur le mot miam ! tout en mimant le geste de la main qui se retire le plus vite possible (un effet de sursaut lié à la peur de se faire grignoter le doigt !!!)
- Enfin, il y a dans cet arrangement quelques instruments de musique caractéristiques qui sont la flûte, la clarinette ainsi que la trompette (en sourdine) : les avez-vous entendus ?

Un trille est un couple de 2 notes alternées rapidement.
Voici 3 exemples de trille sur 4 temps (valeur d'une ronde) :

Ecouter ces 3 exemples :
(son de clarinette)

1. Dans le premier exemple, la note qui est alternée avec la note de base (note écrite) est située un ton au dessus (whole tone). On parle de trille majeur. Ici : alternance Fa-Sol.
   
   
2. Dans le second exemple, la note qui est alternée avec la note de base (note écrite) est située un demi-ton au dessus (half tone). On parle de trille mineur. Ici : alternance Fa-Fa#.
   
   
3. Si l'on veut alterner 2 notes rapidement selon un intervalle plus grand que le ton, on va alors utiliser la notation du trémolo (le signe à 1, 2 ou 3 barres) que l'on place d'habitude sur la note. En plaçant un signe de trémolo entre 2 notes, le musicien va jouer un trémolo alterné sur ces 2 notes, ce qui revient à faire un trille à partir de ces 2 notes. Dans l'exemple 3, on indique au musicien qu'il doit alterner un FA et un LAb pendant 4 temps (indication = ronde) et à la vitesse de triples croches (indication = 3 barres).
   

Aujourd'hui 1er janvier 2010 : MEILLEURS VŒUX A TOUS !!!

Il y a 20 ans jour pour jour, à la suite d'un réveillon inoubliable à Saint Broladre (35), je composais au piano un slow magnifique (selon moi à l'époque).
Naïveté, maladresse, amour de jeunesse... On n'est pas sérieux quand on a 17 ans.



Intéressant tout de même de constater au fil des années une certaine maturation artistique.
Mais faut pas croire qu'on est devenu plus sérieux à 37 ans ... loin de là ;-)