Qui je suis, en quelques mots… Parlons musique. Elle me passionne depuis toujours. J’y consacre donc mes études et mon intérêt pour le son et ses nouvelles technologies me conduit, à l’age de 18 ans, à intégrer l’équipe du Studio Guillaume Tell, Paris. Assistant puis ingénieur du son à l’age de 23 ans, j’ai, durant 13 années, l'opportunité de travailler avec de nombreux artistes français et internationaux, compositeurs ou interprètes, réalisateurs, arrangeurs ou ingénieur.
De la variété à la musique de film en passant par le jazz, la pop ou les médias, de la prise de son acoustique à l’enregistrement d’instruments électroniques, en passant du mixage stéréo au 5.1, de matériels analogiques aux stations virtuels, ces années de studio m’offrent la chance de maîtriser les technologies traditionnelles et modernes, d’acquérir un savoir-faire en m’adaptant aux exigences de chacun et de faire des rencontres exceptionnelles.
Fort de cette expérience, je décide en 2006, à l’age de 31 ans, de me lancer dans de nouvelles aventures musicales et humaines en proposant mes services en qualité d’ingénieur du son au travers de ma propre entreprise Pro Files Record. Aussi, ce site WEB vous présente t-il mon travail, d’hier à aujourd’hui. Mon métier. Ma passion.
Thèmes abordés : Ingénieur du son Roger Waters album 'ça ira', Ingénieur du son Bande Originale du film 'Le peuple migrateur', Ingénieur du son et mixages laurent Voulzy album 'la septième vagues et recollection', Ingénieur du son Bande Originale du film ' Alexander', Ingénieur du son Chris Réa album 'The blue juxebox', 13 ans d'expérience au studio Guillaume Tell. Tags
Site du compositeur Guillaume Rolland.
Guillaume Rolland est un jeune Percussionniste. Compositeur Français s'adonnant aussi bien à la composition de musiques classiques pour Orchestre Symphonique, Quatuors à Cordes, Piano et Violon, Ensembles d'instruments de Percussions, et Autres ensembles d'instruments. Tags Catégorie > Annuaire Compositeur
Compositeur de musique de film (court et longs métrage ), film d'animation, illustration...
Propose ses services pour composition bande originale et œuvres diverses. N'hésitez pas à visiter les liens pour écouter des extraits de musiques et me contacter pour tout renseignement. Tags Catégorie > Annuaire Compositeur > Annuaire Musique de film et cinéma
Professeur donne cours de guitare classique, folklorique et électrique tous styles dès l'âge de 6 ans. Les seniors sont les bienvenus. Initiation à l'ukulélé pour les moins de 6 ans. Il est possible de ne pas faire de solfège. 19 années d’expérience. Vous trouverez toutes les informations sur les horaires, les tarifs et le déroulement des cours à l'adresse http://guitar.practise.perso.neuf.fr/. Tags Catégorie > Annuaire Cours de musique > Annuaire Professeur de musique > Annuaire Professeur de guitare
Je suis né à Paris en 1961 de parents pratiquant l'harmonica et le violon et je me suis retrouvé naturellement au conservatoire d’Orsay à 9 ans pour l’apprentissage de la guitare classique et du solfège.
Quelques années plus tard, à la faveur d’un examen réussi, je me fis offrir ma première guitare électrique accompagnée de son ampli et de sa pédale de sustain (le même que Jimmy Hendrix...).
Très vite, j’ai commencé à fonder des groupes de Rock, Ivresse publique, Smatches, puis ma rencontre avec Eric ROBILLARD et Philippe PIPOLO a donné les groupes Mettalys puis Diva.
Je réalise aujourd’hui mes propres compositions, d'inspirations diverses mais toujours avec la volonté de faire voyager.
J’espère que vous apprécierez la promenade que je vous propose.
N’hésitez pas à m’envoyer des mails pour m’encourager ou me proposer de nouveaux projets artistiques.
Thèmes abordés : First One, Titres en écoute, Conservatoire d'Orsay, Soel Memento, Ravin, Visan. Tags Catégorie > Annuaire Compositeur > Annuaire Musique d'ambiance > Annuaire Musique de relaxation
Situé au calme près de Nancy, le Studio Cormo, est un grand home studio qui a pour vocation de répondre aux besoins des groupes musicaux pour tout type de projet : enregistrement de maquettes, enregistrement de Cd's, mix et mastering de projets extérieurs, ainsi que la prise de son extérieur en studio mobile... Tags Catégorie > Annuaire Studios d'enregistrement
Créons, échangeons, composons ensemble !
Tous les styles, toutes les musiques, tous les arts.
Vous écrivez, vous chantez, vous composez...
Seul difficile de faire une chanson, a plusieurs, en assemblant tout ça... on y arrive. Tags
Musique Des compositions et créations d'amateurs avec ou sans expérience. De la techno, du dub style de l'alternatif, des chansons francaises, composés en groupe ou seul en utilisant les techniques d'aujourd'hui : Ableton, Reason.
Avec pour fan commun : le grand Gainsbourg
Images De la peinture, des collages, des photos artistes.. a contempler en musique.
Faites admirer vos oeuvres, commentez celles des autres membres, inspirez vous et respirez !
Echanges Echanges amicaux, jeux, rires, vidéos.
Faites découvrir ce que vous aimez, ce que vous voulez faire partager. Des moments cultes, ou inconnus...
Faites découvrir la face cachée de ce que vous aimez.
Textes Des créations de textes... à utiliser en musique. Des concours avec thème imposé ou libre, laissez libre cours à vos envie de jouer avec les mots, les phrases, les rythmes sonores...
Design Un site en mouvement, du design, vos créations en home page, vos pochettes, vos images, vos dessin.... a venir un album de vos créations, des collages, des mix de vos compositions, bref vous êtes acteur et faites vivre votre site !
Contact : Http://humanoide.tk 12 rue de l'école 59700 Marcq en baroeul France tél : 01234756789
Thèmes abordés : Cherche compositeur musique, Musique pour chanson, Faire connaitre sa musique, Art graphique, Photo artistique, Commenter photo, Espace communautaire, Forum composition musique, Forum auteur, Paroles pour chansons, Textes pour chansons, Chanteur cherche chanson, Image pour pochette cd, Cherche designer.Catégorie > Annuaire Communautés virtuelles
Nicolas Richard est guitariste, compositeur de chansons, musiques de pubs, génériques, cartoons, films, musicien de studio et sur scène, réalisateur, arrangeur, producteur.
Compositeur pour Agnès Jaoui, Florent Pagny, Elodie Frégé, Elsa, David Soul, Jane Birkin, Anahy, Roccoco, Sofia Mestari, Bruno Pelletier, Charlotte Rampling, Florian Dantès, M. Amont, Jacques Lanzmann, Morganne... Tf1, Canal +, CNN, BBC, La 5, France 3, Arte, France 2, Euronews...
Thèmes abordés : Florent Pagny, Bruno Pelletier, Elodie Frégé, Elsa, Sofia Mestari, Jane Birkin, TF1, France Télévision, Canal plus, CNN, BBC ..., Musique pop, Musique Rock, Musique jazz, Musique de film. Tags Catégorie > Annuaire Arrangeur
Spectacle de vieilles chansons russes et tziganes.
Колокольчик (Clochette) - c'est un spectacle de vieilles chansons russes chargées d'émotions, de désirs, d'histoires d'amour, de malheur et de joie, tant aimées et chantées par les Tziganes russes.
C'est l'occasion d'entendre la voix de Marek Mogilewicz, si impressionnante, accompagnée de sa guitare et parfois d'autres musiciens.
Marek chante aussi merveilleusement la poésie russe et les chansons d'auteurs. Tout particulièrement Boulat Okoudjava, Marina Tsvetaieva ou Sergueï Alexandrovitch Essénine.
Musique traditionnelle, folklore russe.
Soirées à thème slave, cabaret russe.
La musique folklorique russe trouve son origine dans les chants des rituels slaves.
Vous pouvez nous contacter pour un spectacle ou une soirée privée, animation ou fête. Nous vous garantissons une ambiance chaleureuse, typiquement slave, qui vous donnera les véritables moments de bonheur.
La prestation "Spectacle de vieilles chansons russes et tziganes" est donnée depuis 1978.
Thèmes abordés : Festival Hors Tribu , Festival de Barjac, Finaliste du concours de la Télévision Suisse romande, La Grande Chance, Aliocha Dimitrievic. Tags Catégorie > Annuaire Compositeur > Annuaire Musique du monde
Ambondrona, composé de jeunes, passionnés de musiques et de rock en particulier, le groupe ambondrona propose des compositons, mélangeant pop rock et une sonorité recherchée et bien harmonisée ayant évolué selon le temps et la maturité de ses membres.
Depuis 1995, Honty et Beranto, deux frères issus d’une famille de musiciens, rejoints par Blanc qui n’est autre qu’un cousin, et Carryl, un ami, ont déjà joué dans des soirées privées, interprétant des tubes des années 60, 70, 80...
Une situation qui a duré pendant des années, surtout que Manjaka est venu rejoindre la bande pour des animations dans des évènements familiaux, avant que chacun se disperse pour ses projets personnels
Thèmes abordés : Album du groupe Ambondrona, Musique rock, Musique pop, Musique pop-rock. Tags Catégorie > Annuaire Chanteur > Annuaire Variété
Bel Air Classiques est un label vidéo indépendant versé dans la musique classique, l'opéra et la danse. Partenaire privilégié de nombreux opéras et théâtres européens, nous mettons à la disposition du public le meilleur des performances scéniques en vidéo. Tags
DVD Opera Nous éditons en vidéo des DVD et Blu Ray d'opéras, nés des plus grandes mises en scènes contemporaines et interprétés par les chanteurs et chanteuses les plus en vue.
Nous enregistrons nos productions principalement au Festival d'Aix-en-Provence, à l'Opéra de Paris ou bien encore au Théâtre Mariinski de Saint-Petersbourg.
DVD Ballet Bel Air Classiques édite en Vidéo DVD et Blu Ray des spectacles de danse classique et contemporaine enregistrées auprès des plus grands chorégraphes comme Pina Bausch, Heinz Spoerli ou encore Jerome Robbins.
DVD Concert classique Bel Air Classiques propose également des éditions de concerts classiques, enregistrés auprès d'orchestres de renommée internationale comme l'Orchestre de Paris ou l'Orchestre du Théâtre Mariinsky dirigé par Valery Gergiev.
DVD Documentaire Bel Air Classiques édite en vidéo des DVD et Blu Ray des documentaires de création, en particulier versés dans la musique classique ainsi que dans la vie de compositeurs ou chorégraphes.
DVD Théâtre Bel Air Classiques édite en DVD et Blu Ray de nombreuses pièces de théâtre filmées en direct, en particulier les spectacles du Théâtre du Soleil, compagnie de renommée internationale dirigée par Ariane Mnouchkine.
Un nouvel article écrit par Guillaume Tanguy
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Il est parfois nécessaire lorsque l'on compose sur support vidéo, d'adapter son tempo en fonction de la longueur d'une séquence.
Par exemple, on a une séquence qui débute au "fade in" de la scène. C'est notre instant t=0s. Puis à 28 secondes il se passe quelques chose, la musique doit s'arrêter nette. Seulement elle ne doit pas s'arrêter au milieu du morceau, mais après une succession de 8 mesures de 4 temps.
Comment trouver alors le bon tempo pour que cela colle ? Et bien le calcul est au final simple, mais un peu fastidieux à trouver si on est mauvais en mathématiques.
Prenons donc la séquence qui nous intéresse.
Je sais :
qu'elle doit faire exactement 28 secondes.
qu'il doit y avoir 8 mesures de 4 temps.
Trois étapes sont nécessaires :
I – Combien de temps au total ?
On a 8 mesures de 4 temps, ce qui nous fait 32 temps (8 X 4 = 32).
II – Combien de temps par seconde ?
On a 32 temps pour 28 secondes, soient 32/28 temps pour 1 seconde.
III – Tempo pour 28 secondes ?
On sait que le tempo : noire = 60 correspond à la seconde.
Donc on calcule (32/28) X 60 = 68,571 ...
Donc : Pour faire rentrer 8 mesures de 4 temps dans 28 secondes de vidéo, je dois entrer dans mon séquenceur un tempo : noire = 68,571
De manière générale, il vous suffit d'appliquer la formule : Tempo séquenceur = (nb de temps / nb de secondes de la séquence) X 60
Franchement, j'ai adoré la maniabilité ! Le pilotage se fait avec 2 manettes de gaz, activant les réacteurs gauche et droite. Il suffit de pousser chaque levier avec un dosage subtil pour faire pivoter l'appareil dans la direction choisie.
La partie sonore est très bien réalisée. Le sound design ainsi que la musique de John Williams nous plongent immédiatement dans l'ambiance de la fameuse course de l'épisode 1. Je ne pense pas que ce soit exactement la même musique que dans le film (qu'on entend d'ailleurs qu'à la fin de la course).
Pour une première fois, je m'en suis pas trop mal tiré. C'est vrai qu'à mon âge, les sécrétions de midichloriens s'affaiblissent, mais j'ai un gros avantage sur la jeune génération : j'ai 4 ans d'expérience dans le maniement de la poussette canne... et à bien y regarder, c'est quasiment le même pilotage (ceux qui ont des enfants en bas âge comprendront).
C'est en parcourant le blog de mon cher confrère Guillaume Roussel que j'ai découvert l'existence de cette société située à quelques kilomètres de Nantes. Je pense que c'est important d'y consacrer un petit article, même si Guillaume en a déjà parlé, car la prestation semble très sérieuse et intéressera sûrement les compositeurs qui travaillent avec les banques de sons (mais aussi les ingénieurs et techniciens du son).
Ce que propose CASAWAVE me paraît particulièrement adapté aux compositeurs qui souhaitent disposer d'un orchestre symphonique clé en main dans leur ordinateur. Pour cela, la société propose un PC surpuissant et rapide. Ici pas de gadgets multimédia inutiles, juste de la grosse mémoire vive (jusqu'à 32 "Gigas" de RAM), du gros disque dur (pas loin du Terra octets) et de la grosse puissance (2 processeurs Intel Xeon) : tout ce qu'il faut pour charger assez rapidement les banques de sons telles que l'énorme Vienna Symphonic Library (VSL)...
L'outil Auto-Art :
En parlant de la VSL, qui est au format Gigastudio (.gig), CASAWAVE développe un outil qui permet un traitement par lot (et de manière automatisée) des mises à jour des samples au format gig. Ces mises à jour sont proposées par les constructeurs pour améliorer les différents sets d'instruments (par exemple, kit de violoncelles) en apportant de nouvelles articulations (nouveau legato, nouveau spiccato etc...). Mais la mise à jour prend beaucoup de temps si on la fait manuellement. Et bien il semblerait que l'outil Auto-Art effectue cette tâche de manière programmée et autonome, ce qui laisse du temps libre au compositeur (pour finir le repassage, tondre la pelouse, se couper les ongles etc...)
Voici la bête :
Je n'ai pas trouvé d'infos sur le site concernant les fourchettes de prix. Peut-être qu'il ne vaut mieux pas savoir...
J'ai constaté dans notre annuaire de musiciens une rubrique qui était en pleine expansion : la rubrique "Identité sonore" (qui regroupe le sound design, l'illustration sonore et musicale).
Différent de l'écriture de grandes partitions symphoniques, le travail des compositeurs sound designers se caractérise beaucoup plus par la manipulation des sons (musique originale, sons acoustiques, sons électroniques, effets...), ce qui demande des qualités à la fois artistiques (être musicien) et techniques (travail du son à partir de machines, beatmaking). Comme l'a signalé Guillaume dans son blog à propos de Evolve et Synergy, je cite :"si on travaille pour l'image, on ne peut pas échapper à l'électro (la musique symphonique commence à se faire rare...)"
Aujourd'hui, je voudrais m'attarder sur le travail que font "The Waxstoners", 2 jeunes et talentueux musiciens. Dans leur studio Kapriel Records (label) ils travaillent ensemble sur la musique et le sound design (habillage sonore, identité sonore, communication sonore etc.) pour des groupes tels que Adidas ou Linux.
La vidéo ci-dessous, me paraît intéressante car elle montre les coulisses de la création d'un habillage sonore et musical, à partir des images de base et d'un fil conducteur : mots clés, direction artistique donnée par l'agence de communication (Gfilm) au cours d'un débriefing :
Exemple d'identité sonore pour Adidas :
Créée par The Waxstoners
C'est en allant sur le site de Evgueni Galperine que j'ai découvert qu'il avait composé la musique de la pub pour la Laguna (l'homme qui sabote la voiture de sa femme). Idem pour Erwann Kermorvant avec la Peugeot 308, ou Jean-Philippe Goude pour le thème musical de Herta.
Sur Internet, il existe des sites très intéressants qui référencent toutes les musiques utilisées dans les publicités. Ce sont de vraies mines d'or, et je souligne la richesse incroyable de leurs contenus !
Je citerais par exemple musiquedepub.tv ou encore le forum musiquedepub.com qui propose en bonus une liste de compositeurs qui ont fait des musiques de pub, comme Pierre Adenot, Jean-Michel Bernard, Evgueni Galperine, et même quelques vieilles connaissances (Guillaume Roussel et Laurent Koleda). Sont notés les compositeurs qui possèdent un site ou un MySpace. Voir la liste (Merci à shadow's lisa)
Si quelqu'un a d'autres infos sur des compositeurs de musique de pub, je suis preneur ;-)
Les premières images de "Pirate des caraïbes 3" sont très dures, car elles dévoilent une série d’exécutions (dont un jeune garçon).
Il y a dans ce tableau très sombre, un crescendo de percussions (caisse-claire, grosse caisse etc...) qui a attiré mon attention. Il introduit le film avant de revenir de manière récurrente pendant la scène d'exécutions, y compris pendant la chanson "Hoist The Colours" entonnée par le petit garçon quelques secondes avant de mourir...
Liées aux images, ces percussions sont redoutables. Elles annoncent une sombre fatalité et maintiennent la tension jusqu'au dernier plan...
Ci-dessous, on peut écouter "Hoist The Colours" dans lequel
on entend très bien ce fameux crescendo de percussions :
Pour recréer avec l'ordinateur ce crescendo, j'ai utilisé des percussions de la banque de sons True Strike 1 ainsi qu'un son de type "big boomer" du synthé virtuel Omnisphere.
1) Les caisses claires :
J'ai d'abord posé un sample de crescendo suivi par 3 flas (un fla est un coup de caisse claire avec les 2 baguettes en léger décalage). Comme je trouvais le son de crescendo pas assez consistant, je l'ai bêtement doublé par un roulement de tambours :
2) Ajout de la grosse caisse :
Un court crescendo de grosse caisse, suivi de 2 kicks qui permettent d'appuyer les flas 1 et 3 de la caisse claire :
3) Ajout de la timbale :
Idem que la grosse caisse :
4) Ajout de 2 gros boums :
Très cinéma, ce "big boomer" trouvé dans Omnisphere (ce type de sons existe dans d'autres banques). Cela va appuyer complètement les 2 kicks et donner une couleur supplémentaire. Les Big Boomers sont très répandus dans les musiques de films, par exemple en doublure de grosses caisses, toms ou tambours, ou bien seuls... c'est vraiment efficace :
La version allégée de Cubase 5 s'appelle Cubase Studio 5
Cubase 5
Fenêtre principale :
J'ai sélectionné quelques nouveautés :
1) VST Expression :
Un outil intéressant pour les compositeurs de musique orchestrale assistée par ordinateur. Il permet d'appliquer des signes d'articulations (trémolo, glissando, piqué...) et de nuances (pianissimo, Mezzoforte etc...) sur les notes, soit dans l'éditeur de notes midi (dans la partie contrôleur), soit dans la fenêtre de partition. Ces signes déclenchent directement les samples concernés, appartenant à la banque Halion Symphonic Orchestra ou encore Steinberg's Premium Orchestral Sample Instrument.
Les autres fabricants, comme Garritan, VSL ou Sonic Reality (East-West peut-être) se préparent à rendre compatibles leurs banques de sons avec l'outil VST Expression de Cubase 5 (pour le moment, je ne sais ni comment, ni quand, ni dans quelle mesure...)
VST Expression :
2 ) Groove Agent One :
Un sampleur spécial batterie avec de grandes possibilités de façonnage des sons. On peut y importer nos boucles personnelles ou bien utiliser directement la bibliothèque intégrée dans Cubase 5 : batterie acoustiques, Hip Hop, électro, Urban... A l'écoute des démos, j'ai été séduit par la qualité des samples.
Groove Agent One :
3 ) REVerence (réverbe) :
Une nouvelle réverbe à convolution, capable de reproduire des hauts-parleurs, des environnements acoustiques et n'importe quelle pièce naturelle, que ce soit en stréréo ou en Surround. Livrée avec de nombreux presets.
Réverbe REVerence :
4) PitchCorrect :
Essentiellement pour la correction vocale, PitchCorrect est un Plugin qui permet de corriger intuitivement l'intonation des prises de voix monophoniques. PitchCorrect est un bon outil qui s'alliera facilement avec VariAudio (également proposé dans le pack Cubase 5), un plugin agissant sur le contrôle de la hauteur.
PitchCorcect :
5) Loop Mash :
Instrument virtuel de Beatmaking : permettant de travailler vos boucles de manière ergonomique. Très utile pour créer des variations et obtenir des Beat entièrement personnalisés.
Loop Mash :
Mais aussi : Beat Designer (programmer des patterns de batterie), amélioration de l'automation, amélioration de la piste Tempo, amélioration de l'enregistrement, Librairie de samples Halion One étendue, évolution de la solution studio alliant Software et Hardware (MR816 CSX / MR816 X / CC121)...
L'argument de Matt Stedeford, créateur des banques "Imperfect Samples", c'est de mettre en avant le côté chaleureux et humain de ses échantillonnages : un son riche et profond, pas trop "parfait", pas trop aseptisé comme on peut le constater dans d'autres bibliothèques. Comme on dit, "l'erreur est humaine", et un enregistrement qui contient des petites imperfections sonnera plus authentique et naturel. Une manière de s'éloigner de la machine et de l'aspect robotisé du midi et des séquenceurs.
Matt Stedeford a numérisé les pianos suivants (actuellement fin 2010) :
The Hohner Baby Grand
The Fazioli Ebony Concert Grand
The Braunschweig Upright Piano
The Brasted Broken Upgright Piano
Je m'attarde plus précisément sur le Fazioli qui a flatté mes petites oreilles...
Je n'ai pas pu l'essayer. Je ne sais pas ce qu'il en est concernant l'ergonomie, le jeu...
Si quelqu'un l'a testé, qu'il n'hésite pas à écrire un petit commentaire ;-)
Bien qu'il soit un bon parolier, cet artiste connaît-il sur le bout des doigts chaque terme grammatical de la langue française ?
Dans la phrase ci-dessus, la proposition "Bien qu'il soit un bon parolier" est une subordonnée circonstancielle concessive (ha ha, ça vous épate..).
Ok, c'est super, mais quelle sera la réaction du parolier si je viens lui dire :
- j'adore ce que vous faites, surtout quand vous utilisez des propositions subordonnées circonstancielles concessives dans vos chansons ! c'est vachement bien vu !
Ne va-t-il pas rire doucement, et rétorquer qu'il n'a pas franchement idée de ce que c'est, mais qu'en revanche les mots et les phrases se posent naturellement sur le papier, au gré de l'inspiration ?
Faut voir.
Au risque de passer pour un méchant rebelle (à la Mister Bark), je ne me pose pas vraiment de questions quand je fais de la musique. Je place mes notes : si j'aime je garde, si je n'aime pas, je jette.
Du vocabulaire, il en faut c'est indéniable, ne serait-ce que pour enseigner la musique (un accord, une portée, une levée), mais dans les manuels on trouve tellement de mots savants pour expliquer des choses simples que je me demande si ce n'est pas exagéré.
Ci-dessous, un petit exercice pour ceux qui le souhaitent (il m'est venu en écrivant le post sur Vladimir Cosma).
Le premier accord est un do majeur. Qui peut me dire dans quelle tonalité est la musique ? Pour moi la réponse est évidente, mais je ne saurai pas vraiment dire pourquoi. Je le sais comme on sait que le rouge est rouge, et que le froid est froid :
N'hésitez pas à donner vos explications dans les commentaires. Comment êtes vous parvenu à connaître la tonalité de cet extrait ?
Note : dans ce billet, j'ai essayé de reproduire à l'oreille (sans partitions) des extraits de Indiana Jones, de Gladiator et Nightmare Before Chsistmas, avec uniquement la banque de sons East West Symphonic Orchestra Gold (exceptée la voix dans Gladiator qui provient de Omnisphere). Dans mes compos personnelles citées comme exemples, j'utilise des instruments issus de plusieurs banques de sons telles que East West, Synful, Symphobia...
Avez-vous remarqué que les démos des sites comme Eastwest ou VSL sonnent bien dans l'ensemble. Et pourtant, lorsque l'on achète
la banque de sons en question et que l'on commence à produire nos morceaux, le résultat obtenu n'est pas aussi réaliste qu'on le voudrait...
"Hé hé.. répondront certains sur un ton ironique, ce n'est pas parce que vous avez la même raquette que Rafael Nadal que vous
gagnerez à Roland-Garros... "
Certes... posséder une banque de sons de qualité est une condition nécessaire mais pas suffisante (petit clin d'oeil aux profs de maths
qui parcourent ce blog...). Car on s'en doute, une aptitude primordiale est de savoir écrire la musique convenablement et connaître un
minimum les bases de l'harmonie et de l'orchestration. Je dis bien "un minimum" car on a bien le droit de s'épanouir dans une écriture
musicale personnelle, même si elle est maladroite parfois. Et puis... j'aime penser qu'une personne dotée d'une sensibilité musicale,
d'une bonne oreille et d'une certaine habilité avec la technologie, est capable de créer de belles choses avec un ordinateur et une banque
de sons correcte.
Du coup, en ce qui me concerne, et bien que je ne sois pas le Nadal de la MAO, j'aimerais tout de même vous présenter quelques
petits trucs qui me permettent de composer sereinement des musiques orchestrales dans un séquenceur comme Logic, Cubase, Reaper...
Tout d'abord, un constat que d'autres musiciens confirmeront peut-être : plus l'orchestre est gros, plus j'arrive à donner du réalisme. Le
tutti orchestral permet de masquer les imperfections liées à la machine. Je mise sur l'inertie du groupe, le côté grandiose et spectaculaire, à plus forte raison s'il est mélangé à de grosses boucles de percussions. En revanche, avec l'ordinateur, il m'est très difficile de faire sonner un quatuor, ou une partie solo, dont l'émotion et la sensibilité émanent de la qualité de jeu de l'interprète.
Autre constat : la recherche du thème. Je ne peux hélas pas rendre authentique tout ce que je veux :((
Je peux être satisfait de mon thème parce que la mélodie me plaît beacoup, et pourtant, rien n'y fait avec les samples. Je dois parfois
rebrousser chemin et repartir vers une autre direction. C'est frustrant mais ça arrive. Il y a des fois où je change des notes dans une
mélodie parce que ça passe mieux avec les samples dans un sens que dans l'autre. Je deviens en quelque sorte esclave de la
technique, au détriment de la liberté artistique. J'ai envie de dire : à peine plus que le compositeur qui écrit pour un orchestre non
professionnel, qui évite de placer des traits compliqués, ou des notes trop hautes (pour certains vents).
Enfin bref, la MAO orchestrale, quand j' y pense, c'est quand même un sacré bordel chantier... et ça me prend beaucoup de temps.
Mes habitudes reposent sur 4 axes principaux :
1) Mélanger les couleurs sonores :
C'est une très grande richesse que nous offre l'orchestre symphonique : mélanger des instruments pour fabriquer de nouveaux sons.
Les combinaisons d'instruments sont incroyables, il faut s'en servir par moments ! J'ai tout sous la main pour essayer les différents
coktails. Par exemple, à l'unisson : [violon + flûte] [cor + alto] [clarinette + cor] [trompette + violon] [trompette + trombone] [basson +
violoncelle] [hautbois+ flûte] [violon + cor] [cor + harpe] [clarinette + basson + alto] [flûte + xylophone] [contrebasse + glockenspiel]
etc...
Dans l'extrait de La valse des mariés ci dessous, le début du thème est joué par les violons, puis au bout de quelques mesures, il est doublé par une flûte. La couleur change :
Valse des mariés (Tanguy Follio) :
Un truc tout bête, quand je cherche à produire une sonorité, je vais naturellement utiliser des adjectifs qualificatifs (voire même des onomatopées). Par exemple :
- Mon thème est un peu trop "rugeux" (violoncelles), j'aimerais y ajouter un son assez "rond" pour l'adoucir (avec des cors).
- Sur la première mesure, il faudrait ajouter un son qui fasse "klang" mais pas trop "spongzz".
- Ce passage n'est pas assez "appuyé" (violoncelles), je le doublerais bien avec un son plus "grave" (avec des contrebasses).
- Le leitmotiv est "léger" comme tout (flûte), mais il manque encore un petit quelque chose de "pétillant" (avec du glockenspiel).
- Ma ligne de basse est "pêchue" (cordes graves), mais il faudrait la rendre un peu plus "présente" (avec une basse synthétique,
pourquoi pas...)
- J'aime ces ponctuations "cuivrées" (cors + trombones), tiens si j'osais, je les ferais encore plus "claquantes" ou "métalliques" (avec
une enclume et une cymbale).
- C'est un tapis très "doux" (cordes) auquel il manque quelque chose de "céleste" ou "aérien" (avec des choeurs pp).
Et ainsi de suite....
Il faut être curieux de tous ces mélanges. Et puis techniquement, c'est assez rapide de dupliquer une piste MIDI et de lui assigner un autre instrument.
Autre chose, en combinant (toujours à l'unisson) des berceaux symphoniques à des sonorités synthétiques (Omnisphere, Reaktor etc.)
on se situe dans le bionique orchestral : mélange sonore mi-classique, mi-électro. Les scores de films américains (pas seulement)
foisonnent de ces nouvelles sonorités. C'est ainsi que l'on trouve dans certaines BO des couleurs vraiment originales.
2) Reproduire le jeu de l'instrumentiste :
Ah ça ! c'est mission difficile pour ne pas dire Mission Impossible... car malgré la qualité de l'échantillonage, à l'heure actuelle l'ordi ne
peut pas égaler l'être humain dans le jeu de l'interprète. En consolation, on peut toujours tenter de s'en approcher en essayant de limiter les dégâts :
Articule !!!
Quand je décide de faire jouer mon instrument virtuel, dans un premier temps je chantonne la mélodie "à la manière de l'instrumentiste"
en utilisant ma bouche et ma langue (comme fait souvent le chef d'orchestre, devant ses interprètes).
Tenez par exemple, chantonnez The Raider's March en ne prononçant que des bua bua bua....
Puis chantonnez le même air en prononçant des pam padam pam, pam padam...
De la même manière, quand je vais poser mes notes, je vais m'efforcer de suivre la même démarche. Si je me contente de juxtaposer mes
notes avec un seul et unique son long de trompettes, je vais obtenir les bua bua bua. Au contraire, si je m'efforce de reproduire un
phrasé en combinant des articulations basiques (souvent fournies par la banque de sons) telles que des staccatos, des notes tenues,
des marcatos, des crescendos ou decescendo (en jusxtaposition mais aussi en superposition !), j'obtiendrai un son un peu plus net,
plus compréhensible.
Dans l'extrait de The Raider's March ci-dessous, Les notes de trompettes sont jouées d'abord avec un unique son long, puis avec combinaison d'articulations :
Début de The Raider's March (John Williams) :
Un peu d'humanité dans les mouvements amples de cordes
- D'abord je charge un kit d'ensemble de cordes (un pad) couvrant les tessitures des violons jusqu'à la contrebasse, avec une attaque
plutôt franche. En effet, si j'utilise un son avec une attaque douce et lente, dans mon enchainement il y aura comme un effet d'aspiration
au début de chaque note... c'est très typique des musiques faites sur ordinateur. Au contraire, avec un son long à attaque assez rapide,
je personnaliserai la longueur des attaques (en faisant varier le volume ou l'expression avec ma souris à l'endroit voulu).
- Ensuite, sur une même piste midi j'entre la musique en "pas à pas" ou en live (du violon à la contrebasse). Je teste plusieurs valeurs
de vélocité. J'essaie de lier les notes (legato) en les faisant se chevaucher légèrement. Evidement, en cas de notes de même hauteur, le
chevauchement n'est pas possible... Parallèlement, je décale certaines notes de quelques millimètres pour casser la rigidité. Si je suis
patient, je modifie le tempo par endroits pour simuler une sorte de rubato (un vrai casse tête).
A ce stade, j'obtiens un premier jet qui sonne comme ça :
Gladiator (Hans Zimmer). Premier essai.
Kit de cordes, notes liées, tentative de rubato, mais pas d'attaques ni relâchements :
- Arrive alors le laborieux travail sur les nuances. Laborieux mais incontournable si l'on veut donner de l'émotion. Dans la partie
"contrôleur " de ma piste midi, je fais varier l'expression ou le volume, un peu comme si j'étais à la place du chef d'orchestre. De la sorte,
je peux affiner les attaques, crescendos, diminuendos, accents... pour un résultat qui paraîtra un peu plus humain :)
C'est ainsi que ma piste midi prend des allures de montagnes russes :
Variation du contrôleur Expression
- 2 petites choses que j'ai rajoutées dans l'exemple de Gladiator (mais que je ne fais pas systématiquement) : j'ai doublé la ligne
mélodique par un violon solo, pour apporter du grain et du vibrato. Ensuite, pour offrir un peu plus de force dans les passages qui
montent en intensité, je double les violons avec des cors très doux, très discrets.
- Enfin, pour rappeler le côté humain, rien de tel qu'une voix ou des choeurs...
Gladiator (Hans Zimmer). Deuxième essai.
Avec les nuances, qq cors en doublure et une voix légèrement plaintive.
- Pour ce genre de musique, lente avec des poses d'accords, un bon pad de cordes qui repecte bien l'homogénéité et la spatialisation,
devrait suffire . Certes, je pourrais m'embêter à répartir chaque instruments sur différentes pistes midi (un programme de violons sur la
piste 1, un programme d'altos sur la piste 2 etc...), comme dans la réalité.
L'avantage serait de pouvoir affiner les attaques et nuances
de chaque instrument, et de régler la panoramique et le mixage comme je le souhaite. Pourtant je ne serais pas sûr d'y gagner en
réalisme, car à trop vouloir isoler les parties je risquerais d'altérer l'effet d'ensemble (l'homogénéité). Je serais heureux d'avoir l'avis
d'autres musiciens à ce sujet.
Les staccatos des cordes : attention à la mitraillette !
Avant de juxtaposer la même note plusieurs fois de suite, je vais d'abord regarder si je peux contourner le problème : Par exemple,
plutôt que de jouer do do do... je vais tenter do do# do... ça peut être mieux ou moins bien (à tester).
Si je décide de réellement juxtaposer la même note (do do do...), je chargerai un programme de staccatos up et down (qui alterne
automatiquement les coups d'archets tirés et poussés). Les banques de sons proposent de plus en plus ces kits très pratiques.
Le début (approximatif) de This Is Haloween ci-dessous n'est peut-être pas le meilleurs exemple pour illustrer mes propos, car les tempo est assez lent. Mais je suis fan de Danny Elfman, alors c'est comme ça.
Quelques accords de This is Halloween (Danny Elfman) :
Dans un même morceau, on peut avoir 2 parties très contrastées. C'est un choix de marquer ce contraste. Mais la plupart du temps,
j'essaie d'amener avec douceur un segment musical vers un autre segment.
Comme bon nombre de musiciens, j'utilise des moyens très classiques qui sont par exemple : le glissando de harpe, le crescendo de
timbales, de cymbale, de grosse caisse. Mais aussi une cymbale reverse, un wind-chimes, un cluster samplé (de cordes, de cuivres
etc...).
Je considère également le changement de ton comme un effet de transition. J'aime bien, ça pimente la musique en cassant la
monotonie.
Dan l'exemple ci-dessous, j'utilise pas mal d' instruments qui permettent de faire les jonctions (timbales, wind-chimes, harpe... mais
aussi des staccatos de flûte !)
Du relief, du choix, du varié !
Sur un thème je m'efforce de ne pas utiliser toujours le même instrument pour la mélodie. Par exemple, j'aime bien commencer une phrase musicale par des violons, et la terminer par des cors (tandis que les violons font l'accompagnement).
Varier les plaisirs, c'est aussi jouer avec les nuances, les répétitions (cf billet sur les répétitions), les contrastes (calme, tempête), ou au contraire les progressions douces, les modulations (changements temporaires de tonalité), les pédales (cf billet sur les notes maintenues), etc...
Du mouvement !
Si j'ai besoin de suggérer du mouvement, je le fais soit en utilisant des rythmes (percus acoustiques ou boucles samplées style RMX,
Stormdrum...) soit au travers les orchestrations de second ou troisième plan. C'est moins facile à programmer, mais je sais qu'un petit
leitmotiv nerveux joué aux cordes (agrémenté de piccolo) peut être vraiment efficace.
Dans l'exemple ci-dessous, je me suis amusé à faire jouer des cordes à toute allure, sous le thème principal des cors. ça m'a pris beaucoup de temps, mais ça ajoute un côté Harry Potter qui n'est pas pour me déplaire (ce jingle orchestral est édité et déposé à la SACEM).
- Du point de vue du traitement du son (avec des VST plug-ins) :
De la réverbe, d'accord mais pas trop, sinon les notes se noient et la dynamique en prend un coup.
Egalisation : De temps en temps, il me prend l'envie d'accentuer ou diminuer des fréquences sur tel ou tel instrument. C'est vraiment du cas par cas. Je le fais la plupart du temps sur les violons. J'ai toujours adoré le son des violons dans les Bandes Originales de Alan Silvestri. Elles ont parfois un aspect scintillant, mais pas agressif. J'essaie depuis des années d'obtenir ce genre de son en utilisant un égaliseur graphique, mais sans grand succès...
Un peu de compression : je le fais quand c'est vraiment nécessaire pour obtenir une amplitude sonore homogène et pallier certains contrastes trop brutaux (surtout sur les instruments graves comme les contrebasses et les timbales).
Élargissement du champ stéréo : parfois le résultat est bon. Parfois non. Je ne peux pas expliquer pourquoi (de toute façon, le billet est déjà assez long comme ça).
Mastering : En passant le mix final dans un compresseur multibande (avec modération), j'obtiens une musique plus "enhanced" (fréquences boostées, onde wave gonflée, niveau sonore imposant). Surtout pour des musique d'action ou d'aventure. S'il s'agit d'un morceau électro-orchestral, je ne passe que la partie orchestrale dans le multibande (la partie électro ayant déjà eu un bon traitement de dynamique audio par son constructeur).
Voilà voilà... C'est un article comme je n'en fais plus souvent, mais qui me tenait à coeur. Je dois dire que j'ai passé un bon paquet d'heures à le réaliser, celui-là...
En tous cas, la liste n'est pas exhaustive. Faire sonner sa musique avec un simple home studio n'est pas facile. Je compte sur vous pour partager votre expérience dans ce domaine et me permettre de compléter ce billet :)
