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 SX4, la toute dernière version du séquenceur professionnel Cubase

Par Tanguy, Musique assistée par ordinateur (MAO) - Tags


Je viens de découvrir l'existence de Cubase SX4 (je travaille sur SX3). Il est encore plus beau !

Je ne sais pas encore s'il y a de grands changements, mais j'ai découvert Retif Web, un site qui explique les nouvelles fonctionnalités de Cubase SX4

En outre le site propose des conseils à l'utilisation de l'outil "partitions" de Cubase. (ça c'est pour Damien A ;-)

Bientôt, j'essaierai moi aussi de faire des tutoriels vidéos, pas seulement sur la technique informatique musicale, mais aussi sur des petits trucs d'orchestration, d'arrangement... en restant toujours dans le domaine de la composition de musique de film.




Nouveautés de Cubase SX4 par rapport à Cubase SX3| Quelles est la dernière version commercialisée du séquenceur Cubase ?| Tutoriels sur Cubase SX| Vidéo pédagogiques explicatives claires et concises sur Cubase SX| Quelles sont les nouvelles fonctionnalités de Cubase SX4 ?



 Cubase 4, la dernière version du séquenceur de Steinberg

Par Tanguy, Musique assistée par ordinateur (MAO) - Tags


J'en avais succinctement parlé il y a quelque mois (voir l'article).

J'avais écrit par erreur qu'il s'agissait de Cubase SX4. En fait, le séquenceur s'appelle Cubase 4 (il n'y a plus de SX... ni de SL d'ailleurs).

• Version Pro : Cubase SX3 -> Cubase 4
• Version simplifiée : Cubase SL3 -> Cubase Studio 4





Quelques nouveautés que je trouve intéressantes :

• Plus de 30 nouveaux plug-ins d'effet (avec détecteur de silence*)
• Piste instrument (pour accéder plus rapidement aux instruments virtuels)
• Amélioration de la transposition en temps réel
• Le gestionnaire Soundframe (pour centraliser les plug-ins, les sons, les presets etc...)
• Halion One (lecteur d'échantillons livré avec plus de 650 sons)
• Prologue (synthé virtuel analogique avec une centaine de sons pré-réglés)
• Spector (synthé virtuel analogique avec courbes de filtres paramétrables)
• Mystic (synthé virtuel analogique, avec une matrice de modulation puissante)
• Control Room (gestion centralisée des moniteurs et des sources externes connectées)

Configuration informatique minimale :

PC :
Microprocesseur 1,4 Ghz - 512 Mo RAM - Windows XP ou plus -
carte son compatible MME ou DirectX (ASIO recommandé)
Lecteur DVD pour l'installation - Accès Internet pour l'autorisation

Mac :
G4/1 Ghz ou Core/1.5 Ghz - 512 Mo RAM - OS X version 10.4 ou plus -
carte son compatible CoreAudio
Lecteur DVD pour l'installation - Accès Internet pour l'autorisation


*Le détecteur de silence va permettre au microprocesseur d'appliquer un effet audio (réverbe, compression etc.) uniquement là où il y a du son. Pas d'effet audio appliqué sur les parties silencieuses implique une économie en ressources pour le micoprocesseur ;-)




Quel matériel pour faire de la MAO Musique Assistée par Ordinateur ? Les nouvelles fonctionnalités de Cubase 4| Les nouveautés de Cubase 4 par rapport à Cubase SX3| Quels sont les meilleurs logiciels pour composer de la musique de film ? J'aimerais avoir un bon séquenceur pour lire mes samples orchestraux| Quel séquenceur pour lire mes banques de sons d'orchestre symphonique| Recréer un orchestre symphonique dans mon ordinateur Mac ou PC| Les instruments virtuels plug-ins dans Cubase 4| Les VSTI livrés par défaut dans Cubase 4| Quel matériel informatique pour faire de la musique ?



 Si tu cherches un peu de gaieté....

Par Tanguy, Mes travaux, mes projets - Tags


Voilà, j'avais envie de me faire la main sur le Séquenceur Reaper, pour me familiariser avec les commandes, les raccourcis claviers etc....

Je me suis fait plaisir avec un petit délire comme je n'en fais pas souvent. Je voulais m'amuser sur un morceau que j'adore parce qu'il me rappelle ma Bretagne natale, qu'il est très entraînant et qu'il groove exactement comme j'aime, j'ai nommé "Lambé An Dro" de Matmatah. Pas de doutes, c'est une de mes chansons préférées.

Dans cette version "à la Tanguy" j'ai rassemblé mes ingrédients préférés : mélange d'instruments rocks, orchestre symphonique et biniou (l'invité d'honneur). Au départ, je pensais y intégrer plus de parties orchestrales, mais j'ai vite constaté à quel point ça alourdissait l'ensemble. Et puis, c'est difficile de remplacer la voix par des instruments symphoniques virtuels... J'ai donc essayé de faire un arrangement plutôt aéré (si j'ose dire), avec beaucoup de notes courtes. On entend par exemple pas mal de staccatos de cordes, de flûtes, de cuivres, de saxophones et bien sûr du xylophone (pour bien accentuer l'aspect piqué des notes).

Enfin bref, voici le résultat :

Lambé An Dro (Matmatah)
orchestration : Tanguy Follio



Ha ha, c'est pas tous les jours qu'on entend à l'unisson de la cornemuse avec du sax ténor ;-)

Côté technique MAO, Reaper s'est montré largement à la hauteur (juste 1 ou 2 plantages à cause d'un plug-in). J'ai pu travailler rapidement sans avoir à fouiner dans le manuel.

Finalement, J'ai trouvé l'éditeur MIDI très pratique, notamment grâce à la sélection de plusieurs canaux (donc plusieurs articulations d'instruments) dans une même piste MIDI. Tout au long de ce travail, j'ai découvert plusieurs fonctions très utiles et vraiment bien pensées. Les découpes et collages des items audio sont un vrai régal !
Et toujours, la liberté de relier n'importe quelle piste à n'importe quel plug-in (réverbe, instrument virtuel, piste répertoire...) ça aussi c'est du pur bonheur :)
Argh, odieux infidèle que je suis, j'en ai presque du remord pour mon petit Cubase 5 qui prend la poussière depuis quelques mois :((

Enfin, c'est la vie... et comme le dit la chanson, "si tu cherches un peu de gaieté, viens donc faire un tour à Lambé..."


Session Reaper (partie orchestrale uniquement) :
J'ai programmé les parties rock + biniou en amont dans une session différente.


Cliquer pour agrandir

En majuscules : les pistes audio. En rose pâle : les samplers virtuels (Halion, Eastwest...).
Tout en haut, en bleu : la structure indiquée sous forme de régions (très pratique)






Viens donc faire un tour a Lambe| Lambé An Dro| Chanson Matmatah| La Ouache| Musique cornemuse| Biniou breton| Avis Reaper| Séquenceur audio midi| Sequence midi| Instrument celtique



 Astuce pour créer une ambiance Back To The Future (Retour vers le futur) de Alan Silvestri.

Par Tanguy, Orchestration, écriture - Tags


Je développe ici le tip que j'ai placé sur ma page myspace.

Prenez n'importe quel note, par exemple un sol2. Puis montez la gamme en respectant les intervalles suivants :
1/2 ton, 1 ton, 1/2 ton, 1 ton etc... jusqu'à tomber sur la même note à l'octave (ici sol3). Cela donne une gamme de 9 notes.

Vous avez remarqué comment Alan Silvestri use et abuse de ces 9 notes dans la musique de Back To The Future II ? :









A) Marty découvre le Futur (2015) :

1. Faisons jouer cette gamme au ralenti par une harpe :



2. Puis en accéléré :



3. Encore plus vite (et plus doux aussi) :



4. Maintenant, jouons la sur 2 octaves :



5. Ensuite, faisons un mouvement de va et vient (up and down)



6. Faisons jouer ce up and down 2 fois de suite dans le registre pianissimo :



7. Ajoutons un crescendo de cors :



8. Un peu de windshimes pour renforcer le côté fantastique :





B) Nom de Zeus :

1. Faisons jouer les 5 premières notes de la gamme par des instruments aigus
2. Puis jouons les 5 dernières notes de la gamme, mais en descendant, avec des instruments graves
3. En superposant 1 et 2 on obtient un "escalier" très reconnaissable dans la BO





C) Le run qui déchire :

1. On prolonge cet escalier des graves jusqu'aux aigus
2. Le tout joué très très vite et très lié
3. On rajoute un glissando de Harpe (toujours la même gamme) dans les aigus





Dans le prochain billet, je vous ferai écouter une musique que j'ai faite dans le style de Retour vers le futur ;-)
Pour le réalisateur Stéphane Berla.




Trucs et astuces pour composer dans le style de Retour vers le futur| Orchestration à la manière de Alan Silvestri| Voici une gamme qui fait penser à la musique de Back To The Future| Alan Silvestri utilise la gamme de notes suivante pour créer l'ambiance qui règne dans le film Retour vers le futur| Gamme de neuf notes jouée à la harpe| Description et dissection de la bande originale de Retour vers le futur| Comment établir un climax ou une atmosphère comme Back To The Future ? Caractéristiques d'orchestrations de Alan Silvestri



 Processus de composition orchestrale assistée par ordinateur, étape par étape, par Guillaume Baron (compositeur)

Par Tanguy, Orchestration, écriture - Tags


Aujourd'hui, je laisse la parole à mon collègue Guillaume Baron ;-)
Tanguy
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Explications détaillées sur la construction de l'intro de "Back To Olathe"

Qui n'a jamais rêvé que John Williams nous explique comment il a composé le Main Title de Star Wars ? Qui n'a jamais rêvé que Hans Zimmer décrive étape par étape le processus de création de la BO d'Inception ?

Pour ma part, j'en rêve à chaque fois que j'écoute une BO. Que ce soit du Danny Elfman, du James Newton, du Howard Shore, du James Horner, la composition est toujours maîtrisée dans son ensemble, chaque instrument trouve sa place, complète l'oeuvre, il n'y a ni manque, ni surplus. J'ai souvent l'impression que l'ajout ou la suppression d'un seul instrument nuirait à l'équilibre de l'ensemble.

Alors comment font-ils pour que le morceau fini soit si cohérent ? Est-ce qu'ils pensent tout avant même de poser la première note sur la partition ? Ca me paraît peu probable. Par quoi ils commencent ? Est-ce qu'ils posent d'abord les accords puis la mélodie ou l'inverse ? Est-ce que l'inspiration brut les guide ou est-ce qu'ils suivent les pistes de leurs enseignements ?

Et bien voilà, en toute humilité car à des années lumières du niveau de ces grands compositeurs, j'ai voulu partager/décrire étape par étape comment je m'y suis pris pour composer cette introduction dans un esprit épique/aventure. Le but étant simplement de répondre à la curiosité que certains comme moi peuvent avoir. Celle de savoir comment "les autres" font ?

Mais avant de commencer, voici le rendu final :

Back To Olathe - Intro (Guillaume Baron) :


Pour plus de clarté, voici l'imprime écran (Imp Ecr) du morceau dans cubase :



(Cliquer sur l'image pour l'agrandir)


J'ai commencé ce morceau en sachant ceci :
Je voulais n'utiliser QUE des instruments d'orchestre.
• Il fallait que le thème soit joué par les cuivres pour donner le côté épique qui était souhaité.
• Il fallait que l'introduction complète fasse dans les 35 – 50s.
• L'ambiance devait être inquiétante au début et mener vers une ouverture positive.

Une fois ces points posés, j'avais trois possibilités :

• Trouver une mélodie puis construire des accords à partir de celle-ci.
• Trouver les accords puis en sortir une mélodie.
• D'abord définir une ambiance puis en sortir une mélodie.
La troisième solution est venue en fait naturellement.

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1ère étape - La base : (cf. piste 1)

J'ai pris la section des cordes au complet (contrebasse, violoncelle, violon alto et violon) et j'ai simplement plaqué fondamentale Do et quinte Sol sur les différents octaves correspondants à leurs registres.

2ème étape - Le thème : (cf. piste 4)

Comme voulu, j'ai chargé mes vst de cuivres (cor d'harmonie et trombone) pour trouver une mélodie qui soit simple mais efficace.
Do Fa Do Sib... voilà un départ simple mais qui réussi à tous les coups.

3ème étape - Définir le début et la fin du morceau :

Une fois ces quelques notes, autant définir tout de suite les limites de la suite mélodique pour ne pas se retrouver avec une intro de 2 min. J'ai donc défini trois parties : annonce, fermeture, puis grande ouverture. On peut discerner ces trois parties graphiquement sur l'imp. Ec en piste 4.

Une fois cette ligne mélodique adoptée, j'ai changé également les accords de la piste 1 à la fin de l'intro. De Do – Sol (pour Do - Mib – Sol, pour Do mineur) à Do – Fa (pour Fa – La – Do, Fa majeur, 4ème degré, degré qui donne cette ouverture).

4ème étape - Les contrechants : (pistes 7 et 8)

Alors pour cette partie je fonctionne souvent à l'instinct. L'idée est d'étoffer petit à petit cette mélodie en piste 4. Pour se faire et pour respecter mes conditions, (ambiance inquiétante au début du morceau) j'ai pris des cordes (contrebasse et violoncelle), doublées par des bois (contrebasson et basson). J'ai créé deux pistes de contrechants avec ces mêmes instruments pour les différencier.

Aparté :
Petite parenthèse sur ma méthode pour trouver un contrechant. Je suis à la base guitariste jazz et jazz manouche en particulier. Autant dire que j'adore improviser et que j'ai beaucoup plus confiance en mes facultés d'improvisateur qu'en mes compétences à appliquer les règles d'harmonies complexes d'écriture sans faire d'erreurs. Je suis (du verbe suivre) ce que j'ai appris lorsque j'ai étudié la musique pour Big Band (Duke Ellingtion, Count Basie...) pendant mes années de fac de musicologie, à savoir que le plus important, ce n'est pas de faire (comme on nous l'apprend souvent) sonner des accords successifs avec fondamentale/tierce/quinte et autre, mais plutôt de construire une seconde ligne mélodique, qui suit la première sans jamais passer devant celle-ci, tout en essayant de faire le moins de doublons possibles, de toujours se débrouiller pour que les autres notes ne soient pas dans le thème principal.
Chacun sa méthode. Il n'y a pas une méthode mais bien des méthodes. A chacun de la trouver en fonction de ses connaissances. Le principal est d'avoir confiance en celle-ci.

5ème étape – L'automation :
(Modifier le volume, le pitch, la vélocité etc. à tel moment)

Sachant que la base était bonne et me plaisait, j'ai tout de suite optimisé le jeux en jouant avec les automations.


Variation du volume sur les pistes 1 et 4 :

(Cliquer sur l'image pour l'agrandir)




Variation du volume sur les pistes 7 et 8 :

(Cliquer sur l'image pour l'agrandir)



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Résumé étapes 1 à 5 : (donc piste 1, 4, 7 et 8)



J'ai donc maintenant ma base : une ambiance (piste 1), une ligne mélodique et harmonique (piste 4) et un ou deux petits contrechants (pistes 7 et 8).

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Pour continuer, je me demande toujours ce qui manque le plus. Dans le cas présent, il manque cruellement de rythme.

6ème étape – donner du rythme : (pistes 12, 13, 14, 15)

Pour en donner rien de tel que quelques cordes en pizz et une harpe.
Alors petites explications :

• Piste 12 : Harpe Mezzo avec un pan à gauche de 30%, modification de l'attaque pour la rendre plus douce.
• Piste 13 : Harpe Symph avec un pan à droite de 30 %, modification de l'attaque et léger décalage temporel.
• Piste 14 : Contrebasse et violoncelle en pizz à gauche de 30%.
• Piste 15 : Contrebasse et violoncelle en pizz à droite de 30%, avec un léger décalage temporelle et une modification de l'attaque.

7ème étape – toujours à la recherche de rythme : (piste 2)

Rien de tel aussi que des alti et violons (plus une flûte discrète) pour créer un petit rythme lancinant et aérien derrière ces instruments lourds et graves. Ils joueront par répétition quinte – fondamentale puis tierce mineure – fondamentale puis seconde majeure – fondamentale avant de revenir sur fondamentale – quinte afin de suivre la progression du morceau.

Résumé étapes 6 et 7 : (donc pistes 2,12,13,14,15)



Résumé étapes 1 à 7 : (donc pistes 1,2,4,7,8,12,13,14,15)



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Qu'est ce qui manque le plus maintenant ?
Que ce soit plus fourni, il y a beaucoup de place pour d'autres harmonies, ça semble vide.

8ème étape - recherche de nouvelles lignes mélodiques (ou harmoniques) : (pistes 5, 6, 9, 11)

- Première chose, ajouter encore un peu plus de coffre à la mélodie. Pour ça j'ai doublé la piste 4 avec la piste 6 qui contient plusieurs sonorités de cors. J'ai mis un pan gauche 25% à la piste 4 et droite 25% piste 6.

- Ensuite j'ai créé la piste 5, qui reprend les mêmes instruments que la piste 4, afin de créer un contrechant à la fin de l'introduction. Ce qui donne ça : (pistes 4 et 5)



- J'ai ensuite doublé la piste 4 avec des cuivres + les alti et violons. (Piste 9)

Voilà qui nous fait gagner pas mal de puissance pour la fin. Mais on continue.

- La piste 11 est à mon sens une des plus importante pour l'harmonie du morceau. C'est elle qui va lui donner ce petit quelques chose en plus grâce à la tierce majeure dès son entrée. Tierce majeure qui n'est en fait qu'une note de passage pour atteindre le demi-ton suivant, la quarte, mais qui donne un grain particulier, d'autant plus qu'on ne sait pas encore si on est en majeure ou en mineure à ce moment du morceau. On ne le saura que lorsque le thème arrivera sur la tierce mineure, plus tard.
La piste 11 est composée de cordes (contrebasse, violoncelle et alto) et de cuivres (trombone et cor d'harmonie).

Je vous propose d'écouter les deux versions, la première sans la piste 11, la seconde avec (l'entrée se fait à la seconde 16) :

Sans :


Avec :


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Le morceau contient maintenant la plupart des ingrédients, mais maintenant il est temps d'ajouter toutes ces "petites" choses qui n'ont pas l'air importantes comme ça, mais qui donnent de la valeur ajoutée.

9ème étape – De nombreux agréments : (pistes 3, 10, 16, 17, 18, 19, 20)

- On commence par la piste 3, qui ne contient rien de plus qu'un sample bouclé de cordes jouant des trills majeures. On ne peut pas vraiment distinguer la piste dans le morceau, mais sans elle par contre...

- Vient ensuite les bois (piste 16), qui ont un rôle très important également. Ils font fondamentale – quinte durant toute la première et deuxième partie. Puis se déchaînent en triolets durant la troisième partie.

- La cloche (piste 19), très en retrait, permet de donner un style au morceau. Attention toutefois à la laisser bien bien en retrait.

- La piste 20 ensuite, composée de différentes cymbales donne l'élan nécessaire pour donner une réelle impulsion à la fin de l'intro.

- La piste 18, wind chimes, est un effet bien connu pour donner un côté féérique à la composition. Je ne sais pas trop comment décrire cet instrument alors j'envoie un lien wikipedia : Qu'est-ce que le wind chimes ?

- Pour finir, la flûte (piste 17) et les cors, trombones et violons (piste 10) qui donnent un dernier petit sursaut à la fin en jouant fondamentale – quinte de l'accord de 4ème degré FaM.

Résumé de l'étape 9 : (donc pistes 3, 10, 16, 17, 18, 19, 20)



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Quelques conseils :

- Panoramiques :
Je n'ai pas ou peu parlé des panoramiques mais il convient d'y toucher un mot. Pour ma part j'en fais une utilisation quasi systématique sur chaque piste. Il est très important de spatialiser toutes ces tranches d'instruments, de répartir les tessitures.

- Stereo Enhancer :
Pour augmenter cette impression d'espace il peut être utile d'utile un effet tel que M/S pour Mono/Stereo ou le Stereo Enhancer de Cubase sur la tranche master.

- Reverb :
Il faut particulièrement faire attention à avoir une homogénéité concernant la reverb de chaque instrument. En effet chaque banque de son a sa réverb (ou simulateur d'espace) intégrée. Il faut donc être vigilant et parfois la meilleure solution est de n'utiliser que les banques en mode "close", c'est à dire sans effets ajoutés, afin de pouvoir utiliser un seul type de réverb sur chaque tranche instrument. Il en résultera une meilleure homogénéité et un meilleur rendu.

Pour ceux qui veulent aller plus loin avec les paramètres de la reverb :
Article sur les paramètres de la réverb (Audiofanzine)

Et ceux qui veulent tout savoir sur la réverb à convolution :
Article sur la réverb à convolution (Audiofanzine)

- Automation :
Le travail sur l'automation est tout aussi essentiel. De nombreux "apprentis" compositeurs pensent que les vst doivent marcher de suite, sans jouer avec l'automation. Or on ne peut atteindre un très bon réalisme sans toucher à celle-ci.

Voilà j'espère avoir éclairé certains ou certaines d'entre vous avec cet article relativement long. J'ai essayé d'être complet et clair dans mes explications. N'hésitez pas à partager l'article, à donner votre avis ou à poser des questions.

Et merci à Tanguy pour ce blog fantastique.

Guillaume Baron
www.guillaumebaron.com



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 Les staccatos : comment atténuer l'effet machine ?

Par Tanguy, Musique assistée par ordinateur (MAO) - Tags


Quiconque fait de la musique assistée par ordinateur connait le problème de la note répétée x fois en doubles croches. Cela donne un joli son de machine à écrire, très robotisé mais pas du tout authentique.

Les joueurs d'instruments à vent utilisent le "coup de langue" pour juxtaposer très rapidement les notes (avec la langue, ils font ta ka ta, au lieu de ta ta ta). Quand aux violonistes, ils alternent les coups d'archets (haut bas haut bas...).
On constate que ce qui permet d'aligner les notes, c'est le changement dans l'attaque de chaque son.

L'idée, avec l'ordinateur, c'est d'essayer de faire la même chose (sans pour autant s'attendre à un miracle) :

- Concernant les cordes, beaucoup de banques de sons proposent 2 samples de staccatos : un son de stac 1 qui joue probablement un coup d'archet vers le haut, et un son de stac 2 qui joue probablement un coup d'archet vers le bas. Il suffit de faire jouer le stac 1 une note sur 2, puis le stac 2 les autres notes. Pour cela, j'utilise 2 pistes midi différentes (on peut aussi le faire sur une seule piste si la banque de son fournit un programme qui alterne directement les stacs 1 et 2).

Avant :


Après :



- Concernant les instruments à vent, c'est la même chose (alternance de stacs 1 et stacs 2). Mais les banques de sons ne fournissent pas toujours un deuxième jeu de stacs. Dans ce cas, j'essaie de déquantifier certaines notes en les décalant de qq dixièmes de secondes, et j'essaie de faire varier les vélocités. Le but étant de ne pas avoir x fois une note identique. C'est ce que j'ai essayé de faire dans l'exemple ci-dessous, ne disposant que d'un stac 1 de trompettes et de cors :

Avant :


Après :


OK, c'est pas flagrant, la différence est plus que minime...

Pour limiter l'effet mitraillette, je vais mixer tout ça avec un motif de percus. Personnellement, je trouve qu'avec l'aide d'un clavier maître, il est plus facile de rendre authentique un phrasé de doubles croches aux percus, qu'avec des violons ou des trompettes (probablement qu'un percussionniste penserait le contraire, mais bon...)

Motif percussions (caisse-claire, xylophone, timbales...) :


Et puis, pour diminuer encore l'aspect monocorde, je double certaines parties de manière graduelle. Par exemple, je double les violons à l'octave mais seulement à partir du milieu du phrasé. Tout en prenant soin à chaque fois de déquantifier quelques notes.

Cordes + cuivres + percus :


C'est déjà un peu mieux, bien qu'encore loin du réalisme d'un vrai orchestre. Cela dit, le phrasé que j'ai utilisé pour illustrer ce billet n'est pas des plus simples non plus (rapide et beaucoup de notes en enfilade).


Cet autre extrait, que j'ai composé avec la même méthode, sera peut-être plus parlant :


(C'est un petit extrait qui provient d'un billet que j'ai écris dernièrement sur les transitions)




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 Un exemple de doublure dans les mediums. Cors et cordes : une combinaison orchestrale que j'aime utiliser.

Par Tanguy, Orchestration, écriture - Tags


Je trouve que les cors français se marient bien avec les violoncelles. Pour moi, cette combinaison (en mezzo forte ou en forte) donne une sonorité à la fois douce et puissante (loin de l'aspect cuivré et brillant).

Le grain des cordes que l'on mélange au son rond des cors français apporte un côté moelleux, surtout s'il s'agit d'une mélodie continue (liée).

En outre, cela apporte une consistance et un effet panoramique (violoncelles à droite, cors français un peu à gauche) : je trouve que le son rempli l'espace, ce qui donne encore plus de profondeur.

Par exemple :

Atlantis (James Newton Howard)

Le contrechant joué par les Cors français + violoncelles arrive au bout de quelques mesures.

Le diable et elle (Tanguy Follio)

La mélodie est d'abord jouée par les violoncelles. Puis viennent se greffer les cors français.
Cors + Violoncelles jouent ensuite l'accompagnement, tandis que la flûte traversière reprend la mélodie.

Mon collègue Bernhard Elsner rappelle au passage que ces instruments (cors français et violoncelles) se mélangent aussi très bien avec les altos et les bassons, à l'unisson ou à l'octave.







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