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  Sa filmographie est très riche, il varie entre un style purement orchestral, un style plus électronique parfois même les deux.
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 Le sound design et l'identité sonore ont une place importante dans la musique pour l'image.

Par Tanguy, Devenir compositeur pour l’image - Tags


J'ai constaté dans notre annuaire de musiciens une rubrique qui était en pleine expansion : la rubrique "Identité sonore" (qui regroupe le sound design, l'illustration sonore et musicale).

Différent de l'écriture de grandes partitions symphoniques, le travail des compositeurs sound designers se caractérise beaucoup plus par la manipulation des sons (musique originale, sons acoustiques, sons électroniques, effets...), ce qui demande des qualités à la fois artistiques (être musicien) et techniques (travail du son à partir de machines, beatmaking). Comme l'a signalé Guillaume dans son blog à propos de Evolve et Synergy, je cite :"si on travaille pour l'image, on ne peut pas échapper à l'électro (la musique symphonique commence à se faire rare...)"

Aujourd'hui, je voudrais m'attarder sur le travail que font "The Waxstoners", 2 jeunes et talentueux musiciens. Dans leur studio Kapriel Records (label) ils travaillent ensemble sur la musique et le sound design (habillage sonore, identité sonore, communication sonore etc.) pour des groupes tels que Adidas ou Linux.

La vidéo ci-dessous, me paraît intéressante car elle montre les coulisses de la création d'un habillage sonore et musical, à partir des images de base et d'un fil conducteur : mots clés, direction artistique donnée par l'agence de communication (Gfilm) au cours d'un débriefing :


Exemple d'identité sonore pour Adidas :
Créée par The Waxstoners



Making-of : musique
envoyé par adiridas_by_gfilm


The Waxstoners :
- Visiter leur site
- Visiter leur page myspace

Label Kapriel Records :
- Visiter le site


A découvrir également, le travail de Maria de Castro (compositeur sound designer)




The Waxstoners et le Studio Kapriel Records répondent à tous vos besoins en terme de sound design| Sound designer professionnel à votre service| Voir un clip vidéo sur le sound design et l'habillage musical| Communication et signature sonore pour le groupe Adidas| Studio de création spécialisé dans l'identité sonore| Sonorisation d'espaces de vente| Identité sonore pour grandes enseignes| Instruments acoustiques et électriques pour créer une identité sonore personnalisée| Agence de communication sonore| Compositeurs et musiciens professionnels créent votre identité et signature sonore



 Darth Vader's Theme pour un spot publicitaire

Par Tanguy, Divertissement - Tags


Ha ha, une pub rigolote envoyée par Alex :

C'est une publicité pour une voiture, ayant pour habillage musical la légendaire "Marche Impériale", de John Williams (Star Wars).
Quel est le rapport en Dark Vador et une marque de voiture, me direz-vous ?




C'est innocent à cet âge là...





John Williams best theme| Darth Vader's Theme| Musique Dark Vador| La marche impériale| The Imperial March| Vidéo humour| pub drôle| Clip Star Wars| Publicité Volkswagen



 Bidouillage et système D pour placer des textures de choeurs dans une musique orchestrale.

Par Tanguy, Orchestration, écriture - Tags




Les banques de sons coûtent assez cher, et c'est vrai que le budget du compositeur de home-studio ne permet pas toujours de disposer du dernier module de chœurs (en ce moment, c'est Symphonic Choirs de East-West qui est très en vogue).

Il m'est arrivé d'aller piocher quelques mesures dans diverses bandes originales. J'isolais quelques passages que je recollais dans un nouveau morceau orchestral. Cela me permettait de construire une nouvelle musique avec une texture "orchestre + chœurs" qui apportait un aspect grandiose et solennel que l'on n'obtient pas facilement sans les chœurs. Je me permets de décortiquer un exemple, sachant que la musique finale (Apocalypse) n'a pas été commercialisée.

Phase 1 : extraction de chœurs à partir de 2 bandes originales :


Phase 2 : découpage, assemblage pour créer une autre mélodie (résultat haché) :


Phase 3 : habillage avec l'orchestre (pour plus de résonance et masquer les défauts) :


Phase 4 : rajout des boucles de percus (pour plus de fluidité) :


Vous voyez que dans cet exemple précis, on est très loin de l'écriture pour chœur. Seule la partie orchestrale demande des compétences en écriture et en orchestration. Le reste, c'est juste du Légo, de la petite cuisine qui permet de produire une musique dans un style apocalyptique, avec les moyens du bord. Un vrai cache-misère...

Pour un long métrage avec un budget adapté, j'aurai disposé d'une banque de sons professionnelle, voir même d'une chorale toute entière. L'argent est donc un facteur déterminant qui entre en ligne de compte dans la qualité d'une musique de film.

Ecouter Apocalypse :
(durée : 1 mn)




Note : pour des raisons juridiques évidentes, cette technique n'est pas recommandée si votre musique entre dans le cadre d'une rémunération ou d'une diffusion publique générant des droits. Où alors, il faut veiller à ce que les fragments subtilisés ce ne soient pas reconnaissables par un tiers, donc prudence... (l'exemple ci-dessus, c'est juste pour le fun).




Astuce pour créer une musique de film avec des chœurs| Utilisation des chœurs dans une musique sans possibilité de s'offrir une chorale| Insérer une texture de chœurs pour simuler un orchestre avec une chorale| Système D pour disposer d'une chorale dans son home studio| Créer une ambiance apocalyptique avec des banques de sons d'orchestre et des samples de chœurs| Orchestre plus chœurs mode d'emploi| Voici quelques astuces pour insérer des chœurs dans une musique orchestrale



 C'est la baleine. Découvrir les paroles et télécharger gratuitement l'accompagnement musical.

Par Tanguy, Comptines et chansons pour les enfants - Tags



Accédez à la liste complète des comptines et chansons



C'est la baleine


C'est la baleine qui tourne qui vire
Comme un joli petit navire
Prenez garde à la baleine
Elle va vous manger le doigt
Miam !

©Tanguy Follio
(Arrangement déposé à la SACEM)

Télécharger C'est la baleine (MP3)
Clic droit / Enregistrer sous




Approche didactique de C'est la baleine :

- Niveau d'interprétation : autour de 5 ans (moyenne et grande section)
- C'est l'occasion de rappeler que la baleine n'est pas un poisson mais un mammifère ;-)
- Dans la version instrumentale, on peut faire remarquer aux enfants la présence de 2 sons rappelant l'univers de la mer (un bruit de sous-marin et un plouf).
- Sur le son qui fait plouf, les enfants peuvent s'exclamer sur le mot miam ! tout en mimant le geste de la main qui se retire le plus vite possible (un effet de sursaut lié à la peur de se faire grignoter le doigt !!!)
- Enfin, il y a dans cet arrangement quelques instruments de musique caractéristiques qui sont la flûte, la clarinette ainsi que la trompette (en sourdine) : les avez-vous entendus ?





Télécharger les paroles et accords de C'est la baleine



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 Cordes : donner un peu de réalisme au legato (notes liées) dans Cubase (ou autre séquenceur).

Par Tanguy, Musique assistée par ordinateur (MAO) - Tags


Bien bien bien, j'arrive sur la fin de la composition de la bande originale du film institutionnel (grands espaces, routes etc...) sur lequel je bosse depuis quelques jours. Tout est produit par ordinateur et il faut souvent faire attention à ce que l'orchestre virtuel ne sonne pas trop synthé.

Par exemple, pour un enchainement d'accords : FA-LAm-SOL-SOL, j'ai été confronté à un problème d'authenticité dans le legato.
Ordinairement, pour éviter une sensation de blanc entre chaque note, je les fais se chevaucher légèrement, ce qui donne déjà une première impression de continuité. Voici, par exemple, la partie de violons :


En haut, les notes entrées dans Cubase
En bas, la gestion du volume avec le contrôleur Expression



Écouter :





Le problème, c'est que j'ai utilisé un son de "Violons sourdine" appartenant à la East-West Symphonic Orchestra (VST Plugin), et que cette banque a été enregistrée avec la réverbe d'une grande salle (réverbe trop présente à mon goût..... )
Et donc, en tendant l'oreille, je m'aperçois que, par exemple, la fin de la note A2 résonne trop sur la note C3. ça m'a gêné.

Pour étouffer le son de cette résonance, je vais tout simplement baisser le volume à cet endroit (avec le contrôleur Expression), tout en prenant soin de dupliquer la piste midi auparavant (sans quoi, en baissant le volume de la résonance de la première note, je baisse aussi le volume de la note qui chevauche, et là c'est pas bon du tout).

Concrètement :

1. Je duplique la piste midi (notes + gestion du volume)
2. Sur la piste midi originale, je mute (ou supprime) les notes paires
3. Sur la piste midi dupliquée, je mute (ou supprime) les notes impaires
4. Je charge le même instrument sur la piste dupliquée, mais avec un canal midi différent
5. J'atténue le volume sonore de la résonance de chaque note, avec le contrôleur Expression)


Piste midi originale :








Piste midi dupliquée :



Écouter la superposition :





Ensuite, j'ai répète cette opération sur les autres instruments (altos, violoncelles et contrebasses). Après quoi, je double cette partie de cordes par des chœurs très doux, pour renforcer la continuité. ça me donne un tapis de cordes que je place derrière une mélodie de flûte :


Enchainement FA-LAm-SOL-SOL :



Les nuances du tapis de cordes suivent une courbe de Gauss : crescendo puis décrescendo. Là encore, ça va donner de la vie à la musique, plutôt que de superposer la flûte et les cordes de manière homogène. Les cordes rejoignent la flûte, après un temps (le premier temps permet donc aux cordes d'arriver en crescendo). J'ai souvent remarqué ça dans les musiques de James Newton Howard (comme dans la BO de Dinosaur ou King-Kong).

Au fait, z'avez sans doute remarqué que cet article concorde avec les "1 an" de mon Blog ?....
Il fallait bien que je place legato d'anniversaire quelque part... ho ho ho




Technique de legato dans le séquenceur midi| Bien programmer un phrasé de cordes en legato| Notes liées legato dans Cubase| Réalisme séquence midi| Reproduire un orchestre symphonique dans l'ordinateur| Reproduire dans Cubase le jeu d'un violoniste avec réalisme| Symphonic Orchestra| Cubase| VST| East-West



 Astuce pour créer une ambiance Back To The Future (Retour vers le futur) de Alan Silvestri.

Par Tanguy, Orchestration, écriture - Tags


Je développe ici le tip que j'ai placé sur ma page myspace.

Prenez n'importe quel note, par exemple un sol2. Puis montez la gamme en respectant les intervalles suivants :
1/2 ton, 1 ton, 1/2 ton, 1 ton etc... jusqu'à tomber sur la même note à l'octave (ici sol3). Cela donne une gamme de 9 notes.

Vous avez remarqué comment Alan Silvestri use et abuse de ces 9 notes dans la musique de Back To The Future II ? :









A) Marty découvre le Futur (2015) :

1. Faisons jouer cette gamme au ralenti par une harpe :



2. Puis en accéléré :



3. Encore plus vite (et plus doux aussi) :



4. Maintenant, jouons la sur 2 octaves :



5. Ensuite, faisons un mouvement de va et vient (up and down)



6. Faisons jouer ce up and down 2 fois de suite dans le registre pianissimo :



7. Ajoutons un crescendo de cors :



8. Un peu de windshimes pour renforcer le côté fantastique :





B) Nom de Zeus :

1. Faisons jouer les 5 premières notes de la gamme par des instruments aigus
2. Puis jouons les 5 dernières notes de la gamme, mais en descendant, avec des instruments graves
3. En superposant 1 et 2 on obtient un "escalier" très reconnaissable dans la BO





C) Le run qui déchire :

1. On prolonge cet escalier des graves jusqu'aux aigus
2. Le tout joué très très vite et très lié
3. On rajoute un glissando de Harpe (toujours la même gamme) dans les aigus





Dans le prochain billet, je vous ferai écouter une musique que j'ai faite dans le style de Retour vers le futur ;-)
Pour le réalisateur Stéphane Berla.




Trucs et astuces pour composer dans le style de Retour vers le futur| Orchestration à la manière de Alan Silvestri| Voici une gamme qui fait penser à la musique de Back To The Future| Alan Silvestri utilise la gamme de notes suivante pour créer l'ambiance qui règne dans le film Retour vers le futur| Gamme de neuf notes jouée à la harpe| Description et dissection de la bande originale de Retour vers le futur| Comment établir un climax ou une atmosphère comme Back To The Future ? Caractéristiques d'orchestrations de Alan Silvestri



 Le formulaire 2042 complémentaire pour déclarer vos BNC est en ligne sur impots.gouv.fr

Par Tanguy, Le statut du compositeur - Tags


Billet ré-édité le 26 mai 2010 : les formulaires 2042 et 2042 C sont en ligne

Amis compositeurs, vous devriez recevoir en avril-mai 2010, les formulaires pour déclarer vos revenus de l'année 2009. Les centre des impôts doit vous envoyer un formulaire 2042 (peut-être pré rempli) qui est le formulaire de déclaration classique que tout le monde reçoit.

Si vous avez fait des factures et que vous êtes enregistrés aux BNC (déclaration contrôlée ou micro BNC*), vous devriez recevoir en plus le formulaire 2042 C (C comme complémentaire) sur lequel vous reporterez soit le chiffre des BNC (calculé à partir du formulaire 2035 que l'on reçoit en mars) pour ceux qui ont opté pour la déclaration contrôlée, soit la somme brute de vos recettes pour ceux qui sont aux micro BNC...

Si jamais vous ne receviez pas le 2042 complémentaire, il est téléchargeable ici : formulaire 2042 C (Année : 2010, N° d'imprimé = 2042).

Récapitulatif :

- Déclaration des salaires (+ assédic le cas échénant) dans le formulaire 2042
- Déclaration des BNC dans le 2042 C (complémentaire)
- Sur le 2042, cocher la case "si vous déposez une déclaration complémentaire"

*Micro BNC = Régime spécial BNC




Déclaration 2008 du régime de la déclaration contrôlée| Déclaration 2008 du régime déclaratif spécial ou micro BNC| Déclarez vos revenus 2007 avant le 30 mais 2008 ou le 17 juin 2008 pour Internet| formulaire 2042 C| Déclarer les BNC| Les impôts chez les compositeurs| Comment déclarer les bénéfices non commerciaux ?| Imprimé 2042 complémentaire



 Processus de composition orchestrale assistée par ordinateur, étape par étape, par Guillaume Baron (compositeur)

Par Tanguy, Orchestration, écriture - Tags


Aujourd'hui, je laisse la parole à mon collègue Guillaume Baron ;-)
Tanguy
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Explications détaillées sur la construction de l'intro de "Back To Olathe"

Qui n'a jamais rêvé que John Williams nous explique comment il a composé le Main Title de Star Wars ? Qui n'a jamais rêvé que Hans Zimmer décrive étape par étape le processus de création de la BO d'Inception ?

Pour ma part, j'en rêve à chaque fois que j'écoute une BO. Que ce soit du Danny Elfman, du James Newton, du Howard Shore, du James Horner, la composition est toujours maîtrisée dans son ensemble, chaque instrument trouve sa place, complète l'oeuvre, il n'y a ni manque, ni surplus. J'ai souvent l'impression que l'ajout ou la suppression d'un seul instrument nuirait à l'équilibre de l'ensemble.

Alors comment font-ils pour que le morceau fini soit si cohérent ? Est-ce qu'ils pensent tout avant même de poser la première note sur la partition ? Ca me paraît peu probable. Par quoi ils commencent ? Est-ce qu'ils posent d'abord les accords puis la mélodie ou l'inverse ? Est-ce que l'inspiration brut les guide ou est-ce qu'ils suivent les pistes de leurs enseignements ?

Et bien voilà, en toute humilité car à des années lumières du niveau de ces grands compositeurs, j'ai voulu partager/décrire étape par étape comment je m'y suis pris pour composer cette introduction dans un esprit épique/aventure. Le but étant simplement de répondre à la curiosité que certains comme moi peuvent avoir. Celle de savoir comment "les autres" font ?

Mais avant de commencer, voici le rendu final :

Back To Olathe - Intro (Guillaume Baron) :


Pour plus de clarté, voici l'imprime écran (Imp Ecr) du morceau dans cubase :



(Cliquer sur l'image pour l'agrandir)


J'ai commencé ce morceau en sachant ceci :
Je voulais n'utiliser QUE des instruments d'orchestre.
• Il fallait que le thème soit joué par les cuivres pour donner le côté épique qui était souhaité.
• Il fallait que l'introduction complète fasse dans les 35 – 50s.
• L'ambiance devait être inquiétante au début et mener vers une ouverture positive.

Une fois ces points posés, j'avais trois possibilités :

• Trouver une mélodie puis construire des accords à partir de celle-ci.
• Trouver les accords puis en sortir une mélodie.
• D'abord définir une ambiance puis en sortir une mélodie.
La troisième solution est venue en fait naturellement.

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1ère étape - La base : (cf. piste 1)

J'ai pris la section des cordes au complet (contrebasse, violoncelle, violon alto et violon) et j'ai simplement plaqué fondamentale Do et quinte Sol sur les différents octaves correspondants à leurs registres.

2ème étape - Le thème : (cf. piste 4)

Comme voulu, j'ai chargé mes vst de cuivres (cor d'harmonie et trombone) pour trouver une mélodie qui soit simple mais efficace.
Do Fa Do Sib... voilà un départ simple mais qui réussi à tous les coups.

3ème étape - Définir le début et la fin du morceau :

Une fois ces quelques notes, autant définir tout de suite les limites de la suite mélodique pour ne pas se retrouver avec une intro de 2 min. J'ai donc défini trois parties : annonce, fermeture, puis grande ouverture. On peut discerner ces trois parties graphiquement sur l'imp. Ec en piste 4.

Une fois cette ligne mélodique adoptée, j'ai changé également les accords de la piste 1 à la fin de l'intro. De Do – Sol (pour Do - Mib – Sol, pour Do mineur) à Do – Fa (pour Fa – La – Do, Fa majeur, 4ème degré, degré qui donne cette ouverture).

4ème étape - Les contrechants : (pistes 7 et 8)

Alors pour cette partie je fonctionne souvent à l'instinct. L'idée est d'étoffer petit à petit cette mélodie en piste 4. Pour se faire et pour respecter mes conditions, (ambiance inquiétante au début du morceau) j'ai pris des cordes (contrebasse et violoncelle), doublées par des bois (contrebasson et basson). J'ai créé deux pistes de contrechants avec ces mêmes instruments pour les différencier.

Aparté :
Petite parenthèse sur ma méthode pour trouver un contrechant. Je suis à la base guitariste jazz et jazz manouche en particulier. Autant dire que j'adore improviser et que j'ai beaucoup plus confiance en mes facultés d'improvisateur qu'en mes compétences à appliquer les règles d'harmonies complexes d'écriture sans faire d'erreurs. Je suis (du verbe suivre) ce que j'ai appris lorsque j'ai étudié la musique pour Big Band (Duke Ellingtion, Count Basie...) pendant mes années de fac de musicologie, à savoir que le plus important, ce n'est pas de faire (comme on nous l'apprend souvent) sonner des accords successifs avec fondamentale/tierce/quinte et autre, mais plutôt de construire une seconde ligne mélodique, qui suit la première sans jamais passer devant celle-ci, tout en essayant de faire le moins de doublons possibles, de toujours se débrouiller pour que les autres notes ne soient pas dans le thème principal.
Chacun sa méthode. Il n'y a pas une méthode mais bien des méthodes. A chacun de la trouver en fonction de ses connaissances. Le principal est d'avoir confiance en celle-ci.

5ème étape – L'automation :
(Modifier le volume, le pitch, la vélocité etc. à tel moment)

Sachant que la base était bonne et me plaisait, j'ai tout de suite optimisé le jeux en jouant avec les automations.


Variation du volume sur les pistes 1 et 4 :

(Cliquer sur l'image pour l'agrandir)




Variation du volume sur les pistes 7 et 8 :

(Cliquer sur l'image pour l'agrandir)



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Résumé étapes 1 à 5 : (donc piste 1, 4, 7 et 8)



J'ai donc maintenant ma base : une ambiance (piste 1), une ligne mélodique et harmonique (piste 4) et un ou deux petits contrechants (pistes 7 et 8).

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Pour continuer, je me demande toujours ce qui manque le plus. Dans le cas présent, il manque cruellement de rythme.

6ème étape – donner du rythme : (pistes 12, 13, 14, 15)

Pour en donner rien de tel que quelques cordes en pizz et une harpe.
Alors petites explications :

• Piste 12 : Harpe Mezzo avec un pan à gauche de 30%, modification de l'attaque pour la rendre plus douce.
• Piste 13 : Harpe Symph avec un pan à droite de 30 %, modification de l'attaque et léger décalage temporel.
• Piste 14 : Contrebasse et violoncelle en pizz à gauche de 30%.
• Piste 15 : Contrebasse et violoncelle en pizz à droite de 30%, avec un léger décalage temporelle et une modification de l'attaque.

7ème étape – toujours à la recherche de rythme : (piste 2)

Rien de tel aussi que des alti et violons (plus une flûte discrète) pour créer un petit rythme lancinant et aérien derrière ces instruments lourds et graves. Ils joueront par répétition quinte – fondamentale puis tierce mineure – fondamentale puis seconde majeure – fondamentale avant de revenir sur fondamentale – quinte afin de suivre la progression du morceau.

Résumé étapes 6 et 7 : (donc pistes 2,12,13,14,15)



Résumé étapes 1 à 7 : (donc pistes 1,2,4,7,8,12,13,14,15)



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Qu'est ce qui manque le plus maintenant ?
Que ce soit plus fourni, il y a beaucoup de place pour d'autres harmonies, ça semble vide.

8ème étape - recherche de nouvelles lignes mélodiques (ou harmoniques) : (pistes 5, 6, 9, 11)

- Première chose, ajouter encore un peu plus de coffre à la mélodie. Pour ça j'ai doublé la piste 4 avec la piste 6 qui contient plusieurs sonorités de cors. J'ai mis un pan gauche 25% à la piste 4 et droite 25% piste 6.

- Ensuite j'ai créé la piste 5, qui reprend les mêmes instruments que la piste 4, afin de créer un contrechant à la fin de l'introduction. Ce qui donne ça : (pistes 4 et 5)



- J'ai ensuite doublé la piste 4 avec des cuivres + les alti et violons. (Piste 9)

Voilà qui nous fait gagner pas mal de puissance pour la fin. Mais on continue.

- La piste 11 est à mon sens une des plus importante pour l'harmonie du morceau. C'est elle qui va lui donner ce petit quelques chose en plus grâce à la tierce majeure dès son entrée. Tierce majeure qui n'est en fait qu'une note de passage pour atteindre le demi-ton suivant, la quarte, mais qui donne un grain particulier, d'autant plus qu'on ne sait pas encore si on est en majeure ou en mineure à ce moment du morceau. On ne le saura que lorsque le thème arrivera sur la tierce mineure, plus tard.
La piste 11 est composée de cordes (contrebasse, violoncelle et alto) et de cuivres (trombone et cor d'harmonie).

Je vous propose d'écouter les deux versions, la première sans la piste 11, la seconde avec (l'entrée se fait à la seconde 16) :

Sans :


Avec :


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Le morceau contient maintenant la plupart des ingrédients, mais maintenant il est temps d'ajouter toutes ces "petites" choses qui n'ont pas l'air importantes comme ça, mais qui donnent de la valeur ajoutée.

9ème étape – De nombreux agréments : (pistes 3, 10, 16, 17, 18, 19, 20)

- On commence par la piste 3, qui ne contient rien de plus qu'un sample bouclé de cordes jouant des trills majeures. On ne peut pas vraiment distinguer la piste dans le morceau, mais sans elle par contre...

- Vient ensuite les bois (piste 16), qui ont un rôle très important également. Ils font fondamentale – quinte durant toute la première et deuxième partie. Puis se déchaînent en triolets durant la troisième partie.

- La cloche (piste 19), très en retrait, permet de donner un style au morceau. Attention toutefois à la laisser bien bien en retrait.

- La piste 20 ensuite, composée de différentes cymbales donne l'élan nécessaire pour donner une réelle impulsion à la fin de l'intro.

- La piste 18, wind chimes, est un effet bien connu pour donner un côté féérique à la composition. Je ne sais pas trop comment décrire cet instrument alors j'envoie un lien wikipedia : Qu'est-ce que le wind chimes ?

- Pour finir, la flûte (piste 17) et les cors, trombones et violons (piste 10) qui donnent un dernier petit sursaut à la fin en jouant fondamentale – quinte de l'accord de 4ème degré FaM.

Résumé de l'étape 9 : (donc pistes 3, 10, 16, 17, 18, 19, 20)



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Quelques conseils :

- Panoramiques :
Je n'ai pas ou peu parlé des panoramiques mais il convient d'y toucher un mot. Pour ma part j'en fais une utilisation quasi systématique sur chaque piste. Il est très important de spatialiser toutes ces tranches d'instruments, de répartir les tessitures.

- Stereo Enhancer :
Pour augmenter cette impression d'espace il peut être utile d'utile un effet tel que M/S pour Mono/Stereo ou le Stereo Enhancer de Cubase sur la tranche master.

- Reverb :
Il faut particulièrement faire attention à avoir une homogénéité concernant la reverb de chaque instrument. En effet chaque banque de son a sa réverb (ou simulateur d'espace) intégrée. Il faut donc être vigilant et parfois la meilleure solution est de n'utiliser que les banques en mode "close", c'est à dire sans effets ajoutés, afin de pouvoir utiliser un seul type de réverb sur chaque tranche instrument. Il en résultera une meilleure homogénéité et un meilleur rendu.

Pour ceux qui veulent aller plus loin avec les paramètres de la reverb :
Article sur les paramètres de la réverb (Audiofanzine)

Et ceux qui veulent tout savoir sur la réverb à convolution :
Article sur la réverb à convolution (Audiofanzine)

- Automation :
Le travail sur l'automation est tout aussi essentiel. De nombreux "apprentis" compositeurs pensent que les vst doivent marcher de suite, sans jouer avec l'automation. Or on ne peut atteindre un très bon réalisme sans toucher à celle-ci.

Voilà j'espère avoir éclairé certains ou certaines d'entre vous avec cet article relativement long. J'ai essayé d'être complet et clair dans mes explications. N'hésitez pas à partager l'article, à donner votre avis ou à poser des questions.

Et merci à Tanguy pour ce blog fantastique.

Guillaume Baron
www.guillaumebaron.com



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